Lisa | 2013

Video e Fotografia – Autorretrato Performático  (after  Léonard de Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519)

Análise da Obra  

Na interseção entre tradição e inovação, a obra "Lisa" (2013) emerge como uma releitura multifacetada da "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci, transcendendo a mera imitação para se tornar um campo de investigação sobre identidade, temporalidade e representação. Composta por uma fotografia em C-print de 66 x 100 cm e uma videoperformance de cerca de quatro minutos e cinco segundos, a peça se desdobra – é híbrida – e integra elementos de fotografia, vídeo e body art, criando uma narrativa visual que dialoga com o passado enquanto questiona o presente. Formalmente, a composição preserva o enquadramento clássico da pintura renascentista: a figura centralizada em três-quartos, com mãos cruzadas sobre o colo e um fundo paisagístico que evoca as montanhas distantes e os rios serpenteantes da original. Contudo, essa fidelidade é subvertida pela intervenção performática, onde o ato de depilação facial se torna o eixo central, transformando o retrato estático em um processo dinâmico de transformação corporal.

O vídeo "Lisa" combina realismo fotográfico com técnicas de performance, pensada como um acontecimento – uma autoproposta de desafio – que possui começo, meio e fim. Na videoperformance, uma ação metalinguística movimenta a pintura e a fotografia, indo muito além do gesto corporal: a textura viva, o suor da pele irritada e a tensão da lâmina raspando, tudo isso acompanhado pela música barroca de Antonio Vivaldi, especificamente o "Concerto No. 2 RV279" de "La Stravaganza". Essa escolha musical não é aleatória; ela cria um contraponto temporal, unindo o renascentismo ao barroco, enquanto a edição lenta permite que o espectador acompanhe a metamorfose em tempo real. Assim, surge uma fricção temporal, como se o tempo histórico e o cronológico fossem convocados, evocando a teoria da relatividade e o espaço-tempo em um embaralhamento poético performativo. A obra confronta o espectador não com uma expressão enigmática, mas com a vulnerabilidade de um ato de autoflagelação e regeneração que recria estórias e história.

O fundo, pintado manualmente, opera como um palimpsesto, reescrevendo o cenário da original em um gesto metalinguístico que reflete sobre o ato de representação. Essa prática remete ao mito da jovem de Corinto, que traçou a sombra de seu amado, e aos autorretratos de pintores diante de espelhos, agora atualizados com câmera digital e controle remoto. A paleta – tons terrosos, verdes suaves e pretos profundos – mantém a harmonia renascentista, mas as texturas corporais contrastam com a imobilidade pictórica, desafiando uma masculinidade grotesca em favor de uma androginia que questiona binários de gênero. A depilação de sobrancelhas, barba e cabelo transforma o retrato em um espelho de indagações identitárias, posicionando "Lisa" como uma extensão estilística que interroga os limites entre o fixo e o efêmero.

No contexto histórico, "Lisa" se insere na linhagem de releituras da "Mona Lisa", cuja aura foi amplificada pelo roubo de 1911 por Vincenzo Peruggia, que elevou a pintura a ícone global com mais eficácia do que a descrição feita por Giorgio Vasari em "Vidas dos Artistas" (1550), onde relata uma obra que imita a natureza com sutileza – olhos úmidos, narinas rosadas e um sorriso divino. A original de Da Vinci (1503-1519) tem sido reinterpretada ao longo dos séculos. No modernismo, Marcel Duchamp profanou-a em "L.H.O.O.Q." (1919), adicionando bigode e cavanhaque para criticar a sacralidade artística; Fernando Botero, em 1977, ampliou suas formas em uma versão volumosa e humorística; Jean-Michel Basquiat, em 1983, associou-a ao dólar americano, comentando o comércio cultural; e Cindy Sherman, em "Untitled #209" (1989), explorou construções de identidade feminina através do disfarce.

Produzida em 2013, "Lisa" reflete o contexto da arte contemporânea brasileira, influenciada pela herança performática de Hélio Oiticica e Lygia Clark, que enfatizavam o corpo como veículo de expressão em um pós-ditadura marcado por hibridismo cultural e antropofagia oswaldiana. Exibida na mostra "Fricções Históricas" na Caixa Cultural do Rio de Janeiro, sob curadoria de Vanda Klabin, a obra dialoga com debates globais sobre gênero, impulsionados pela teoria queer de Judith Butler, que concebe o gênero como ato performativo. A depilação ressignifica a ausência de sobrancelhas na "Mona Lisa" – apoiando-se em uma versão anedótica atribuída a limpezas mal sucedidas, como sugerido por Pascal Cotte em 2007, que identificou resquícios de cílios e sobrancelhas em análises ampliadas. Essa ressignificação transforma uma deterioração acidental em um gesto intencional. Mury adiciona camadas, hibridizando dramaturgias e fazendo conexões insuspeitas, segundo o próprio artista, ecoa a obra surrealista de Luis Buñuel em "O Cão Andaluz" (1929), onde a navalha simboliza corte e revelação.

Nesse fluxo narrativo, a interpretação de "Lisa" revela atravessamentos transdisciplinares que enriquecem sua tese central: a arte como processo vivo, capaz de reinventar o passado para questionar o presente. O ato de depilação, inspirado em um sonho do artista, evoca autoflagelação e autorregeneração, ecoando Erwin Panofsky ao afirmar que "inventamos o futuro a partir de fragmentos do passado". Aqui, o body art se entrelaça com a história da arte: influências de Frida Kahlo, em "Autorretrato com Cabelo Cortado" (1940), onde a dor corporal reflete crises identitárias, e de Cindy Sherman, que problematiza a representação feminina. O diálogo com Vasari reforça a reflexão sobre a pintura como "coisa mental", mas "Lisa" subverte isso ao priorizar o corporal como matéria pensante – um ritual de autoconhecimento.

Transdisciplinarmente, a obra cruza fronteiras: os títulos são trocadilhos, como "La Gioconda" (a sorridente), introduzindo ambiguidade jocosa; "Lisa" (depilada) é pura ironia e parte constitutiva da obra, em meio ao sofrimento, oscilando entre homenagem e subversão. A temporalidade é pivotal: enquanto o retrato renascentista busca eternizar, "Lisa" enfatiza o efêmero, contrastando com José Ortega y Gasset, que distingue a arte viva da arte arqueológica, afirmando que a arte do passado não é arte, foi arte. Essa tese posiciona a obra como um espelho multifacetado, onde identidade fluida e hibridismo cultural desafiam a estaticidade tradicional.

Por fim, o impacto de "Lisa" ressoa na arte contemporânea, influenciando debates sobre performance e identidade. A obra contribui para discussões sobre corpos dissidentes; internacionalmente, dialoga com Duchamp e Sherman, reforçando a tradição crítica. Seu corpo depilado, suspenso entre ironia e vulnerabilidade, como um gesto que rasura e reescreve. Não responde, mas pergunta: o que resta quando a imagem se dissolve no ato? Como um traço que se apaga para se redesenhar, a obra convida a habitar o intervalo entre o que foi e o que pode vir a ser, um espaço onde a arte não é fim, mas fricção contínua.

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Pesquisa e referências   —   👁