Apollinaire | 2010

À margem de um Modernismo que celebrava a especificidade dos vários meios de expressão da época, de Chirico apresentava-se como artista, filósofo e estudioso, de acordo com as suas raízes clássicas e simbolistas.

Em de Chirico a redescoberta da mitologia clássica não ocorre como no Renascimento para reconstruir uma história do passado, mas para sair da história. De Chirico é nietzschiano e absorve o conceito de tempo circular, o artista remete para a mitologia e para o conceito de metamorfose. 

A ideia de metamorfosear em pedra na obra de autorretrato de Giorgio de Chirico está profundamente enraizada em sua cultura grega e no conhecimento dos mitos das metamorfoses. Além disso, ela pode refletir sua exploração pessoal da identidade, bem como suas escolhas artísticas e filosóficas, ao se afastar do modernismo e abraçar suas raízes clássicas e simbolistas. Através dessa representação enigmática, De Chirico oferece ao espectador uma visão única e poética de si mesmo e da condição humana.

Quando já afinado com os caligramas de Apollinaire, de Chirico pintou o seu único quadro com palavras, no quadro-negro ("em hieróglifos egípcios") são desenhados sinais matemáticos e detalhes de rostos. Na composição, De chirico retrata a própia mãe, Gemma de Chirico, em um busto escultural com sombras rígidas. Todas essas áreas se distinguem, por sua vez, do espaço sem pintura, apenas com o molde de peixe desenhados a carvão.

Outro aspecto do modernismo inicial de De Chirico que certamente foi absorvido do cubismo é sua ruptura com as noções tradicionais de unidade e continuidade de superfície. Ao explorar técnica cubista de  trompe l'oeil e colagem (como papéis falsos de madeira) de Chirico permitiu-se, pelo menos em certas pinturas, uma mistura inteiramente anticlássica de meios, texturas e técnicas.

Conhecido como La Schiavona, a famosa pintura do século XVI, de Ticiano, é uma dupla representação, pictórica e escultórica, do mesmo rosto. A influência desta obra é observável em muitas de De Chirico, especialmente aquelas que aparecem os relevos da concha e do peixe. A relação fica ainda mais evidente no seu autorretrato feito entre 1920 e 1922, no qual seu rosto aparece duas vezes, no mesmo quadro. À direita está em uma pose de três quartos e direcionando seu olhar para o observador, à esquerda a representação de uma escultura retratando o artista de perfil. O canto inferior direito contém a assinatura do pintor, com a inscrição em latim se ipsum, que significa eu mesmo.

Em janeiro de 1919, de Chirico publicou seu ensaio “Arte metafisica e scienze occulte” na revista Ars Nova. De Chirico escreve sobre "nosso duplo" em seu ensaio; as duas faces do pintor são dois aspectos de uma mesma realidade, que por um lado parece real apesar de literalmente repousar na literatura, enquanto por outro está “oculta” mas capaz de olhar para o mundo com “clarividência”. 

Giorgio de Chirico  expressa nos vários contrastes conceituais e emocionais: luz/sombra, vida/morte, bem/mal, corpo/alma, vivente/escultura, ser/não ser.  O duplo exprimia sobretudo uma autocontemplação íntima, narcísica, sempre vivida numa chave irônica, ou revelava o seu oposto animista, como o demonstram os muitos autorretratos duplos dos anos vinte. 

O tema da estátua já estava presente no nascimento da pintura metafísica. Já ficou claro que a fonte das estátuas que aparecem em muitas de suas obras, desde 1909, é a figura de Ulisses em Ulysses and Calypso de Böcklin. Desde então, o tema da estátua foi associado ao pensamento de Nietzsche e produziu diversas variações. 

Durante seu período metafísico, de Chirico estava frequentemente preocupado com Apolo. O motivo é recorrente insistentemente ao longo de suas obras do começo ao fim. O busto clássico era um motivo recorrente em suas obras - a peça é o foco central na obra, trata-se de uma cabeça de mármore de Apolo, patrono da música, da poesia e da medicina. 

Parte do gênio de Chirico foi empregar um estilo realista na busca de fins antirrealistas. Uma vez que a Arte Metafísica está preocupada com a essência, e não com a aparência física, o significado é relegado ao plano simbólico.

 Magritte, quando viu  'Le Chant d'amour'  em uma revista de arte, chorou dizendo que tinha visto o pensamento representado.  A obra de De Chirico foi uma descoberta seminal para Magritte durante os primeiros anos de sua carreira.  E começa a retratar objetos inconseqüentes como símbolos monumentais com significados misteriosos e, em última análise, indeterminados. 

René Magritte sempre falou de Chirico como seu único mestre. Via de regra, ele era extremamente parcimonioso em sua avaliação de outros artistas, do passado e do presente. Em seu próprio tempo, de Chirico (1888-1978) e Ernst (1891-1976) aparecem como os únicos dois que ele admirava incondicionalmente.

A chegada de Giorgio de Chirico em Paris, acompanhado por seu irmão, o artista Alberto Savinio, no ano de 1911, marcou um ponto crucial em sua vida artística. Em 1913, sua carreira teve um impulso significativo quando foi descoberto pelo influente escritor e crítico de arte, Apollinaire, o qual proporcionou apoio e exposições através do jovem galerista Paul Guillaume.

Nesse período em Paris, De Chirico conseguiu desenvolver um estilo original e complexo, baseado em diversas influências. Paul Gauguin, um dos artistas que o inspirou, contribuiu com sugestões valiosas para sua jornada criativa. Além disso, De Chirico não deixou de confrontar-se com outras figuras importantes da arte, tanto do passado quanto contemporâneas.

Cézanne, cujo impacto foi profundo diante das paisagens e naturezas-mortas do mestre francês do pós-impressionismo. Por outro lado, em relação a Matisse foram permeadas por críticas e reservas, especialmente quanto à abordagem artística do uso da cor. As pinturas estilizadas e abstratas, as formas sólidas e geométricas de Picasso impactaram significativamente.

 A experiência de viver em Paris proporcionou a Giorgio de Chirico um ambiente rico em correntes artísticas diversas, permitindo-lhe absorver influências de diferentes movimentos e desenvolver sua própria estética. 

Os críticos frequentemente associam os primeiros trabalhos de Morandi ao movimento metafísico, devido à atmosfera de suspensão que permeia suas naturezas-mortas. Mas a pintura metafísica permaneceria essencialmente a de De Chirico, que imbuiu suas perspectivas distorcidas e composições do que muitas vezes eram objetos altamente díspares com uma atmosfera de enigma.

Além de retratar ambientes esparsos, de Chirico também criou pinturas metafísicas retratando pequenas salas lotadas de objetos. Essas imagens claustrofóbicas contrastavam fortemente com os trabalhos anteriores do artista - que contavam com grandes áreas de espaço vazio. 

Giorgio Morandi pintou um pequeno número de naturezas-mortas, onde aparecem elementos típicos da iconografia metafísica, como cabeças de manequins e objetos do cotidiano.

As elegantes conexões tonais de Morandi jogam com uma gama quase monocromática de cores; os objetos são reduzidos a estruturas arquetípicas e primárias e os níveis, entrecruzados entre si graças a um trabalho de sombras e linhas, negam uma evidente alusão tridimensional.

Salvador Dalí foi influenciado por várias fontes ao longo de sua carreira. Durante o período da carreira, que abrange a década de 1920, podemos ver obras que reúnem elementos da estrutura em planos retirada do cubismo e os volumes retirados da pintura metafísica. A abordagem inovadora em relação à forma e à perspectiva teve um impacto profundo na arte moderna e influenciou muitos artistas da época.

Embora Dalí tenha sido influenciado pelo cubismo e por Picasso, ele rapidamente desenvolveu seu próprio estilo surrealista distintivo, que se afastou da abordagem cubista para explorar temas do subconsciente, do sonho e do irreal. 

A obra de De Chirico lembra Uccello em seu uso obsessivo de ortogonais, formas simplificadas e efeito de pano de fundo semelhante a um palco. Como Uccello, Piero della Francesca provoca uma sensação de mistério e tempo suspenso, em sua representação da praça renascentista, com suas arcadas, geometrias e fortes luzes e sombras. Klinger e Bocklin afetaram profundamente Ernst e de Chirico, e Dali declarou Bocklin um dos maiores artistas de todos os tempos.

De Chirico, mais do que qualquer um desses outros precursores, serviu para inspirar os surrealistas e definir a direção de sua arte. Atraídos para o mundo tridimensional irracional, onírico, mas representativo que ele criou, seduzidos por sua afirmação da qualidade poética e emotiva da perspectiva profunda, eles procuraram ecoar seu espaço vasto, ilusionista e distorcido. Empregando suas justaposições ilógicas, escala irracional e luzes e sombras alucinatórias, eles também criaram relacionamentos perturbadores. Todos perseguiram sua representação de imagens transparentes e ocas, um motivo que se tornou um dos principais temas surrealistas. Todos compartilharam um objetivo poético relacionado com de Chirico e assimilaram diretamente muitas de suas ideias estilísticas e formas iconográficas.

Conceitualmente, a sombra assombra De Chirico equivalendo à ausência do homem e, portanto, às metáforas da silhueta, do gesso, dos moldes, para chegar à síntese sublime do Manequim.

Toda a cultura da época desde o romantismo é morbidamente atraída pelo autômato, pelo boneco, pela máscara. Veremos o manequim, o homem sem rosto, aparecer na obra "Chants de la Mi-Mort" de Savino que são de 1914, até mesmo nos futuristas, "o homem mecânico" de Marinetti.