A obra de Alexandre Mury se insere em uma tradição artística que dialoga intensamente com a história da arte, apropriando-se de imagens icônicas para reconfigurá-las dentro de um novo contexto. Sua abordagem performática e fotográfica evoca a teatralidade das representações clássicas, ao mesmo tempo que insere um olhar contemporâneo e irônico sobre o cânone. No caso específico de sua releitura de Hamlet, Mury não apenas recria um dos ícones mais duradouros da cultura ocidental, mas também o inscreve dentro de um discurso crítico e altamente simbólico.

A composição de Mury é meticulosamente planejada para evocar a dramaticidade do teatro shakespeariano, ao mesmo tempo que desestabiliza sua solenidade. A postura corporal, a expressão facial e o uso de figurino fazem referência direta às inúmeras representações visuais de Hamlet ao longo dos séculos, como nas pinturas de Sir Thomas Lawrence, Eugène Delacroix e Edouard Manet. Entretanto, há uma ruptura deliberada na mise-en-scène: elementos contemporâneos, como o rato de plástico e o uso de objetos banais, introduzem uma camada de humor e estranhamento.

A iluminação reforça o caráter teatral da cena, lembrando os contrastes dramáticos do chiaroscuro barroco, especialmente visível na tradição pictórica que vai de Rembrandt a Caravaggio. Essa escolha estética acentua a sensação de encenação, remetendo ao próprio caráter performático da identidade de Hamlet como personagem, alguém que constantemente se debate entre o ser e o parecer.

A construção imagética de Mury estabelece uma conexão com a iconografia tradicional de Hamlet, cujas representações visuais frequentemente enfatizam sua melancolia e introspecção. Na pintura de Nicolai Abildgaard (Hamlet com sua mãe, 1776-1779), por exemplo, o uso das cores verde e amarelo remete à associação com a loucura e à figura do bobo da corte, antecipando a complexa relação entre razão e insanidade na peça de Shakespeare.

Além da teatralidade implícita na obra de Mury, a presença do rato como elemento central ressoa com outras obras da história da arte onde esse animal surge como símbolo da decadência, da corrupção e da mortalidade. No mosaico romano Asàrotos Òikos ("Piso não varrido"), a representação de restos de comida e de um rato sobre o chão do triclínio sugere um memento mori, um lembrete visual da efemeridade da vida e dos prazeres terrenos. Esse mesmo simbolismo se faz presente em Mariana (1851), de John Everett Millais, onde o rato introduz uma camada de ironia e morbidez à narrativa romântica.

A associação do rato com a ruína e a perda também pode ser observada na gravura de Albrecht Dürer, Adão e Eva (1504), onde o animal simboliza a queda iminente da humanidade. Em Mury, o rato não apenas reforça o tema da decadência, mas também serve como uma ferramenta de deslocamento irônico: ao substituir a tradicional caveira segurada por Hamlet, transforma o solilóquio "Ser ou não ser" em uma reflexão sobre o efêmero e o cômico.

Outro aspecto fundamental na obra de Mury é seu diálogo com a tradição do readymade e da apropriação. A presença do vaso sanitário na composição pode ser interpretada como uma referência direta a Marcel Duchamp e sua icônica Fountain (1917), posteriormente revisitada por artistas como Sherrie Levine e Maurizio Cattelan. Ao inserir esse objeto em um contexto shakespeareano, Mury desconstrói a solenidade da cena e desafia as hierarquias entre a "alta cultura" e o banal.

Essa estratégia de ressignificação não apenas recontextualiza Hamlet dentro de um vocabulário visual contemporâneo, mas também sugere uma crítica à perpetuação de certos ícones culturais dentro da história da arte. Assim como Duchamp questionava os limites da arte e a autoridade dos museus, Mury provoca uma reflexão sobre os mecanismos de consagração artística e sobre como as imagens são continuamente apropriadas e reinterpretadas ao longo do tempo.

A obra de Alexandre Mury reinterpreta Hamlet de forma a transcender sua representação tradicional, misturando elementos da pintura clássica, da fotografia encenada e da arte conceitual. Seu trabalho amplia o repertório de leituras possíveis ao inserir camadas de ironia, crítica e teatralidade, aproximando-se de uma tradição que vai do trompe-l’œil romano ao readymade contemporâneo.

Dessa forma, Mury não apenas revisita a figura icônica de Hamlet, mas também questiona as formas como a arte se apropria e resignifica suas próprias referências. O resultado é uma obra que, ao mesmo tempo que reverencia a tradição, também a desafia, inserindo-se em um campo expandido de significados onde o trágico e o cômico coexistem em perfeita tensão.