O mundo de Cristina | 2014
O mundo de Cristina | 2014
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Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: O mundo de Cristina
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2014
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: fotografia de autorretrato, camuflado, verde oliva, militar, vestido, reclinado, gramínea
Obras Relacionadas: Christina’s World, 1948, Andrew Wyeth
Artistas Relacionados: Andrew Wyeth
⚿ Palavras-chave
#autorretrato #releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Título da obra: O mundo de CristinaCriador: Alexandre MuryData de criação: 2014Fotografia / Autorretrato performático© Alexandre Mury
Em sua obra "O Mundo de Cristina" (2014), Alexandre Mury oferece uma releitura instigante da icônica pintura "Christina's World" (1948) de Andrew Wyeth. Na obra original, Wyeth retrata Anna Christina Olson, uma mulher que, devido à poliomielite, perdeu a capacidade de andar e movia-se arrastando-se pelo chão. A pintura captura Christina de costas, olhando em direção a uma casa distante no horizonte, simbolizando isolamento e perseverança diante das adversidades.
Mury reinterpreta essa cena ao posicionar-se na mesma postura de Christina, mas vestindo um traje camuflado militar em tons de verde oliva, sobre um fundo de gramínea. Ao aproximar o enquadramento e focar mais intensamente na figura central, ele desloca a atenção do vasto cenário para uma análise mais íntima do personagem e do espaço recriado. Essa escolha de vestimenta e paleta cromática confere uma homogeneidade à composição, sugerindo temas como apagamento e invisibilidade.
Ao dialogar com a obra original, Mury não apenas homenageia Wyeth, mas também expande as camadas interpretativas. A camuflagem militar pode ser vista como uma metáfora para a invisibilidade social ou a luta interna, enquanto a postura remete à vulnerabilidade humana. Além disso, ao incorporar elementos de performance e autorretrato, Mury questiona as fronteiras entre identidade, memória e representação na arte contemporânea.
Essa releitura convida o espectador a refletir sobre as múltiplas narrativas presentes na obra, incentivando uma leitura crítica que ultrapassa a mera apreciação estética. Mury utiliza estruturas semióticas e referências históricas para investigar a própria história da arte, oferecendo uma perspectiva renovada e provocativa sobre temas universais como a condição humana, a identidade e a resiliência.
© 2012 Andrew Wyeth
Andrew WyethChristina’s World1948Têmpera sobre painel81,9 x 121,3 cmMOMA, The Museum of Modern Art, New York
Andrew WyethChristina’s World1948Têmpera sobre painel81,9 x 121,3 cmMOMA, The Museum of Modern Art, New York
Embora Christina seja o tema desta obra de arte, Andrew Wyeth usou Betsy James Wyet, sua esposa, como modelo. A pessoa que inspirou a composição e está representada na obra, foi a vizinha de Wyeth, Anna Christina Olson.
De costas para o espectador, a personagem olha para longe, usando os braços para arrastar a parte inferior do corpo. Talvez pareça estar em posição de repouso — mas ela sofria de uma doença muscular degenerativa — possivelmente poliomielite, Cristina não conseguia andar.
A figura parece vulnerável e isolada no campo aberto, poderia ser meramente uma cena idílica e kitsch. Mas o pintor de estilo regionalista revela, no título da obra, o significado interno de seus temas. Ele desenvolveu muita intimidade com local onde morava e buscou uma compreensão espiritual baseada em histórias e emoções vividas.
Christina's World tornou-se uma imagem icônica do realismo. A cena embuídas de mistério não é puramente documental ou ilustrativa. A atmosfera sentimental da vida rural que desperta nostalgia, pressentimentos e suspense inspirou novas gerações de artistas e cineastas.
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Thomas EakinsSusan Mcadowell Eakins nua, sentada, olhando por cima do ombro direito.1883Fotografia, Cianótipo8,89 x 11,2 cmColeção Thomas Eakins de Charles BreglerPennsylvania Academy of the Fine Arts
Thomas EakinsSusan Mcadowell Eakins nua, sentada, olhando por cima do ombro direito.1883Fotografia, Cianótipo8,89 x 11,2 cmColeção Thomas Eakins de Charles BreglerPennsylvania Academy of the Fine Arts
A ecolha do tema idílico e pastoral para desenvolver uma série de trabalhos, vinha do interesse por temas clássicos — mas sem os artifícios narrativos típicos e modelos idealizados. O ser humano sempre foi eixo temático de Thomas Eakins. O artista que procurava pintar o retrato e a figura de forma realista — frequentou cursos de anatomia e dissecção — tamanho era o interesse científico no corpo humano.
Thomas Eakins dava aulas de pintura e desenho na Academia de Belas Artes da Pensilvânia. A série de obras arcadianas declarava seu compromisso com o nu como base da arte e do ensino de arte. Eakins fotografou ao ar livre, vários modelos, em várias poses e usou as fotografias como estudos para muitos trabalhos subsequentes — inclusive, a pintora e fotógrafa americana, Susan Macdowell Eakins, que foi sua aluna e esposa, serviu de modelo.
Eakins criou a série arcadiana e trabalhou em quase vinte esculturas, pinturas e fotografias que estão tematicamente interligadas. Ele usou seus amigos, familiares e alunos como modelos, muitas das fotografias foram usadas como investigação precisa da forma humana e do mundo natural, sendo reconhecido como um dos mais importantes artistas do realismo.
© 2015 Banco de México. Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust/Artist Rights Society/NYC.
Frida Kahlo Raízes1943 30 x 50,3 cmóleo sobre metalColeção particular______________
Frida Kahlo Raízes1943 30 x 50,3 cmóleo sobre metalColeção particular______________
De uma grande abertura em seu torso saem ramos com folhagens carregando fluxos de sangue pelo chão, como se estivesse alimentando a terra e presa a ela. No autorretrato, reclinada em uma paisagem árida há o forte elemento autobiográfico, muito constante na pintura de Frida Kahlo. Ela disse: “Eu me pinto porque muitas vezes estou sozinha e porque sou o assunto que conheço melhor”.
Aos seis anos, Frida contraiu poliomielite, o que deixou sua perna direita mais fina do que a esquerda. Mais tarde, ela cobriu essa deformidade com vestidos longos e coloridos. Frida usou a pintura para processar sua dor durante os períodos de recuperação e cura.
Aos 18 anos, um acidente fraturou sua coluna, costelas e pélvis. Ninguém acreditava que Frida Kahlo sobreviveria — mais de 30 cirurgias e sofreu várias complicações ao longo da vida. Muitas de suas pinturas evidenciam que ela viveu grande parte de sua vida engessada e com aparelhos de suporte presos ao corpo.
Os autorretratos de Frida Kahlo muito influentes no empoderamento feminino, refletem a interioridade da artista, a cultura e vida no México, bem como debates atuiais sobre o decolonial. Kahlo foi associada ao primitivismo, indigenismo, realismo mágico e surrealismo.
______________"El milagro vegetal del paisaje de mi cuerpo es en ti la naturaleza entera. Yo la recorro en vuelo que acaricia con mi dedos los redondos cerros, penetran mi manos los inébrios vales en ansias de posesión y me cubre el abrazo de las ramas suaves, verdes y frescas. Yo penetro el sexo de la tierra entera, me abrasa su calor y en mi cuerpo todo roza las frescura de las hojas tiernas."
— Frida Kahlo
Creative Commons Zero (CC0).
Abbott Handerson Thayer e Richard S. MerymanPeacock in the Woods, estudo para o livro Ocultando Coloração no Reino Animal1907óleo sobre tela114,9 x 92,4 cmSmithsonian American Art Museum
Abbott Handerson Thayer e Richard S. MerymanPeacock in the Woods, estudo para o livro Ocultando Coloração no Reino Animal1907óleo sobre tela114,9 x 92,4 cmSmithsonian American Art Museum
Por volta de 1892, Abbott Handerson Thayer começou a estudar como certos animais se misturam perfeitamente com o seu ambiente natural. Para ilustrar sua teoria, ele e seu jovem assistente Richard Meryman pintaram, em 1907 "Peacock in the Woods" para o livro "Concealing Coloration in the Animal Kingdom", publicado em 1909.
Thayer é considerado o pai da camuflagem e teve um amplo impacto sobre o seu uso militar durante a Primeira Guerra Mundial. Embora ele não tenha inventado a camuflagem, foi um dos primeiros a escrever sobre o assunto. Abbott Handerson Thayer foi um artista, naturalista e professor americano. Seu trabalho se concentrou na pintura de animais e paisagens. Suas pinturas de 'anjos', alguns dos quais utilizaram seus filhos como modelos, se tornaram muito conhecidas. Os dois filhos mais jovens, Gerald e Gladys, compartilharam totalmente o entusiasmo de seu pai, e tornaram-se pintores.
© 2022 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS/Artimage, London
Andy WarholCamouflage Last Supper1986Serigrafia, acrílica sobre tela2,03 × 7,75 mColeção privadaThe Andy Warhol Foundation for the Visual Arts
Andy WarholCamouflage Last Supper1986Serigrafia, acrílica sobre tela2,03 × 7,75 mColeção privadaThe Andy Warhol Foundation for the Visual Arts
Essa mistura de religião e camuflagem pode ser perturbadora para o público. A colossal serigrafia, "Camouflage Last Supper", de 1986 é uma sobreposição de camuflagem militar com o icônico mural do século XV de Leonardo da Vinci é uma das obras finais de Andy Warhol – ele terminou antes de sua morte, apenas um mês após a inauguração da exposição.
A iconografia religiosa – incluindo cruzes e representações de Jesus e Maria – é recorrente em toda a obra de Warhol. O artista colecionava artefatos religiosos e começou a combinar arte pop com imagens cristãs nos anos 60. Warhol foi criado como católico bizantino; em seus diários, revela suas idas à igreja e sua viagem ao Vaticano em 1980, onde conheceu o Papa João Paulo II.
Warhol explorou implicações psicossociais enigmáticas recriando a camouflagem para satirizar ou apenas trata de uma homenagem a um dos mestres da pintura renascentista? – Pode ser, apenas, mais um comentário irônico sobre o clichê e o kitsch, mas também refletia algumas preocupações da época, incluindo a Guerra Fria entre os EUA e a URSS e a escalada da epidemia de AIDS.
Andy WarholAutorretrato 1986Serigrafia, tinta acrílica sobre tela
León Ferrari pensa, sente e produz a partir de uma oposição radical à guerra dos Estados Unidos contra o povo do Vietnã. Considerada blasfema pela igreja, “La civilización occidental y cristiana” (1965) que é a sua obra de maior destaque — era assumidamente um protesto contra o governo dos Estados Unidos e a idéia de uma política de matar em nome de Cristo.
León Ferrari"La civilización occidental y cristiana"1965Gesso, madeira e óleo200x120x60 cm
León Ferrari queria expor o absurdo de uma fé que usa ameaças para conquistar os crentes. Para ele, o verdadeiro inferno era mental: viver com a ideia de castigo eterno. Disse ele "A Bíblia é uma antologia de crueldades" — Ele contrataca a censura, inroniza dizendo que queriam "reduzir o artista a um fabricante de enfeites para generais." — E sai em defesa do debate livre ao dizer que "tirar a crítica da arte é cortar o seu braço direito".
Sendo um artista comprometido com seus ideais e o momento político, suas obras abordam o sexo, a igreja e a ditadura argentina — que o levou a um auto-exílio no Brasil. Ele afirmou: "Não sou comunista, também não sou anticomunista".
Centro de Estudios Legales y Sociales . Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA)
León Ferrari"Mimetismo"1994Cristo de gesso pintado camuflado sobre tela camuflada200 x 135 cmColección Museo Nacional de Bellas Artes
León Ferrari"Mimetismo"1994Cristo de gesso pintado camuflado sobre tela camuflada200 x 135 cmColección Museo Nacional de Bellas Artes
Ao longo da sua carreira Ferrari testou (ou ultrapassou, dirão uns) todos os limites da religião católica. Em uma entrevista ele diz: Hoje penso que é melhor não explicar nada [...] Não há necessidade de limitar a imaginação do observador. É por isso que tento não explicar; muitas vezes as explicações destroem o trabalho.
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