Femme Fatale | 2015

Detalhes / OBRA DE ARTE


Título: Femme Fatale

Criador: Alexandre Mury

Data de criação: 2015

Tipo: fotografia

Meio: C-print (impressão cromogênica)


Período da Arte: Contemporâneo

Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática

Assunto: autorretrato, releitura, femme fatale, sedução, travestismo, drag queen, mamão, bijuterias, montação

Obras Relacionadas: Femme fatale, 1905, Kees van Dongen

Artistas Relacionados: Kees van Dongen



  Palavras-chave

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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal  de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Título da obra: Femme FataleCriador: Alexandre MuryData de criação: 2015Fotografia / Autorretrato performático© Alexandre Mury
Van Dongen empregou cores semelhantes a joias no presente retrato para enfatizar o caráter extravagante e espalhafatoso de seu modelo. Ele moldou sua carne em ricos tons de verde esmeralda e pintou seu vestido decotado e chapéu emplumado em vários tons complementares de vermelho, vermelhão e fúcsia. Seu cabelo encaracolado e a sombra abundantemente aplicada são de um impressionante azul cerúleo; e os brancos mais puros e o amarelo dourado criam a ilusão de que suas joias falsas ostensivas praticamente brilham na tela.
© All Rights Reserved

Kees van DongenFemme fatale1905Óleo sobre tela82 x 61 cmColeção particular

A "femme fatale" (termo francês que significa "mulher fatal") aquela que usa sua astúcia feminina para seduzir os homens, capturando suas vítimas com seus encantos. Ela é considerada fatal porque é uma especialista em enganar e sempre possui uma agenda oculta. Depois que sua vítima é capturada em sua teia sensual de manipulação, ela a aniquila de maneira impiedosa e sem remorso.


A Femme Fatale de Van Dongen é tão flagrante em seu exibicionismo que se torna uma caricatura de sedução. No entanto, ela é inquestionavelmente um ímã poderoso e irresistível. Seu olhar é  afrontoso, a demonstração descarada de grandiosidade e sexualidade aberta sugerem uma atitude de empoderamento e autoconfiança, que ela projeta com absoluta indiferença ao julgamento moral dos outros.


Esta pintura demonstra de forma intransigente a propensão do artista para explorar o valor de choque, aqui levado a um extremo sem precedentes. Ele fundiu o erotismo flagrante com sua recente descoberta de cores chocantes e eletrizantes para criar um retrato de intensidade psicológica surpreendente e inesquecível.


Van Dongen também alude a uma fonte mais surpreendente e irônica, o ícone feminino mais potente e simbolicamente carregado na arte ocidental  a Virgem Maria a imagem da "Madonna Lactans". Van Dongen subverte completamente essa imagem e a longa tradição que ela representa, e faz sua prostituta segurar seu seio exposto para anunciar sua disponibilidade sexual. Ela oferece a promessa de nutrição carnal, mas sem ternura ou amor, para o espectador desejoso.

"Nenhum destino biológico, psíquico, econômico define a forma que a fêmea humana assume na sociedade; é o conjunto da civilização que elabora esse produto intermediário entre o macho e o feminino que qualificam de castrado". 


   Judith Butler

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Bartolomeo VenezianoRetrato idealizado de uma cortesã como Flora (considerada Lucrezia Borgia)Por volta de 1520têmpera e óleo sobre madeira de álamo43,7 x 34,7 cmStädelsches Institut, Frankfurt, Alemanha

O seio exposto seria impensável no retrato de uma mulher respeitável, casada ou não, considerando o contexto da época em que foi pintado. Esta obra mostra a personagem desconhecida disfarçada de Flora, a clássica deusa da primavera, daí o buquê de flores na mão direita. 


Lucrezia Borgia foi caracterizada na arte, literatura e cinema como depravada, extravagante, culpada de incesto e assassinato; no entanto, os estudiosos afirmam que, de fato, há provas insuficientes dos supostos maus atos de Lucrezia ou de seu envolvimento ativo nos crimes de sua notória família.


Lucrécia Borgia foi acusada de envenenamento em várias ocasiões. Ela era conhecida por ter habilidades em alquimia e medicina, o que alimentou os rumores de que ela usava venenos para se livrar de seus inimigos. Essas acusações aumentaram ainda mais a imagem de Lucrécia como uma mulher perigosa e manipuladora.


Lucrécia foi considerada uma das mulheres mais bonitas e sedutoras de sua época, foi casada três vezes e teve muitos amantes ao longo de sua vida. Ela é frequentemente retratada como uma "femme fatale" devido às histórias e lendas que a cercam.

Aqui, Guido Reni retrata o momento crucial em que a mordida da áspide põe fim à vida de Cleópatra. Vestida com uma túnica branca com debrum verde, a infeliz rainha reclina-se entre vestes vermelhas com a mão esquerda sobre o cesto de frutas e flores. Em sua mão direita, ela segura a serpente que se aproxima de seu peito nu. A composição é tipicamente barroca; seu contraste de luz e sombras, aguda teatralidade e jogo de diagonais enfatizam a cabeça do sujeito enquanto ela se inclina para trás, olhando para cima em uma pose enraizada nas inovações do maneirismo , mas totalmente desenvolvida no século XVII.
Royal Collection Trust / © His Majesty King Charles III 2023


Guido Reni Cleópatra com a Víbora-áspideca. 1628 Óleo sobre tela114,2 x 95,0 cmRoyal Collection Trust

Cleópatra é certamente a "Femme Fatale" mais célebre da história. Ao longo dos séculos, muitos artistas retrataram o momento da morte de Cleópatra com a serpente picando seus seios. Antes da criação desta pintura, o tema era relativamente pouco explorado. No entanto, no período barroco, quando a obra de Guido Reni se torna conhecida, muitos outros artistas começaram a retratar a rainha egípcia de forma dramática e sensual em seu momento final.


A versão mais conhecida da morte de Cleópatra, é a que Shakespeare copiou de Plutarco em seu ensaio sobre Marco Antônio. Embora a história de Plutarco tenha sido repetida muitas vezes, deve-se lembrar que foi escrita 120 anos após os eventos. Outro detalhe curioso é que, provavelmente, não era uma áspide, já que não havia desta víbora no Egito. Em nenhuma das histórias antigas de sua morte, Cleópatra aplica a serpente em seu peito. Essa versão vem depois, especialmente, porque os pintores nos deram uma versão imaginativa.


Imagem © Russell-Cotes Art Gallery and Museum


Dante Gabriel RossettiVenus Verticordia1864–1868Óleo sobre tela98.1 × 69.9 cm Russell-Cotes Art Gallery and Museum

O conceito de "Femme Fatale" pode ser entendido como uma figura feminina que atrai os homens para sua destruição. Na perspectiva freudiana, a figura da "femme fatale" pode ser vista como uma manifestação do conflito entre Eros e Tanathos.


Além de "Venus Verticordia", Rossetti produziu outras obras que podem ser consideradas representações da "femme fatale". Uma delas é "Proserpine", que retrata a rainha dos mortos da mitologia romana com uma expressão triste e melancólica, segurando uma romã em sua mão, simbolizando a tentação e a sedução. 


Na mitologia romana, Vênus era a deusa do amor, da beleza e da fertilidade, mas também era conhecida por sua natureza vingativa e destrutiva. A figura de Vênus personifica a sedução e a tentação, que podem ser perigosas e fatais. Ao mesmo tempo, a pintura apresenta uma beleza inegável e uma sensualidade que pode ser irresistível.


Direitos: Österreichische Galerie BelvedereEste trabalho faz parte da Política de Conteúdo Aberto do Belvedere , está disponível para download e está sujeito à Licença Creative Commons CC BY-SA 4.0 .


Gustav KlimtJudith I1901Óleo sobre tela84 x 42 cmColeção Belvedere

A obra "Judith I" de Gustav Klimt, retrata a personagem bíblica como uma "Femme Fatale", o arquétipo de mulheres perigosamente sedutoras que atraem os homens para a morte. A representação de Judith como uma heroína corajosa que não tem vergonha de sua sexualidade e busca seus próprios objetivos pode ser vista como uma forma de aumentar a autoconsciência das mulheres e a consciência pública da identidade feminina. 


Embora alguns tenham interpretado os nus femininos de Klimt como misóginos, a obra pioneira de Klimt desestigmatiza a sexualidade feminina, sugere a imagem da liberação sexual das mulheres que encaminha a sociedade para a modernidade. Nesta pintura ela olha orgulhosa e triunfante segurando a cabeça de Holofernes que acabou de decapitar como se estivesse segurando um troféu. Klimt retrata a heroína do Antigo Testamento como uma mulher que afirma o controle sobre sua sexualidade, desejo e prazer. Judith, Esther, Jael e Delilah são todas "femmes fatales" bíblicas que usaram seus encantos letais.


Judith é descrita como uma viúva bonita que seduziu o general inimigo a fim de matá-lo e salvar sua cidade. Era uma mulher virtuosa e piedosa que usou sua beleza e inteligência para salvar seu povo. Enquanto que  Salomé que é mencionada no Novo Testamento, considerada uma vilã, uma "fille fatale" (em francês “garota mortal”), frequentemente retratada como uma jovem malvada e sedutora que usou sua beleza para conseguir o que queria. Salomé dançou para o rei Herodes, que ficou tão impressionado com sua dança que ofereceu qualquer coisa que ela quisesse em troca, e ela pediu a cabeça de João Batista  — acrescentando o detalhe de servi-la em uma travessa.

Gallerie degli Uffizi

Ticiano A Penitente Madalena1531-1535Óleo sobre tela85,8 x 69,5 cmMuseu Palácio Pitti

As representações de Maria Madalena como uma penitente no deserto se tornaram populares durante o início do século XVI. Esta versão da Galeria Palatina pode ser um dos protótipos mais antigos de Ticiano, que por sua vez,  influenciada pela construção da pose erotizada de Vênus, influenciou a imagem de Madalena ao longo do século XVII. Maria evoluiu de uma ascética hirsuta, no estilo de São Jerônimo, para uma figura mais sexualizada, cujos pecados corporais passados ​​estavam ligados à sua aparência física. Ela está nua devido à sua determinação de se despir de seu passado. Para esta imagem  que consiste na ideia de pecador e penitente, Ticiano pode ter tomado como modelo uma cortesã veneziana, arrependida e convertida, como muitas no século XVI.

© 2020 Museo Julio Romero de TorresTodos los derechos reservados


Julio Romero de TorresLaranjas e limões1927Óleo sobre tela104 x 74cm Coleção Museu Júlio Romero de Torres

O tema central da pintura representa uma concepção mista entre a natureza-morta e a figura humana, dois enredos simultâneos que este pintor também utiliza com frequência em outras de suas obras. O tratamento pictórico é muito avançado para a época em que o trabalho foi realizado. A jovem segura laranjas nos braços enquanto deixa à mostra o peito entre as frutas.  A obra representa a dualidade entre a inocência e a sensualidade feminina. A moça parece estar oferecendo as laranjas de forma inocente, mas a sua postura e a forma como ela deixa o peito à mostra sugerem uma sexualidade implícita.

© Coleção Particular


Léonard Tsuguharu FoujitaMoça com cesta de frutas1960Óleo sobre tela41 x 33,3 cmColeção Particular

Em 1959 o artista japonês Léonard Tsuguharu Foujita se converte ao catolicismo e inicia sua vida como francês tanto em termos de identidades formais quanto culturais. Se há algum indício de sugestão erótica na pintura de Foujita onde a jovem segura uma fruta com a mão na altura do peito, isto poderia remeter a memória das suas pinturas de nus da década de 1920. Mas uma dimensão adicional de significado religioso foi encontrada nas pinturas dessa fase. Sua postura é uma referência a outras representações de Maria Madalena embalando o peito, contemplativa – uma imagem declaratória da fé católica. 

Esta obra de Francesca Woodman é uma peça intrigante que merece uma análise cuidadosa. Woodman apresenta um autorretrato onde segura um melão partido enquanto um de seus seios está desnudado e o outro coberto por uma ilustração de um melão. Abaixo da imagem, a inscrição "três tipos de melão" sugere um trocadilho humorado, mas também carrega uma crítica irônica à objetificação do feminino.
© George and Betty WoodmanNB: No toning, cropping, enlarging, or overprinting with text allowed.

Francesca WoodmanFrom the three kinds of melon in four kinds of light series, Providence, Rhode Island1976Gelatin silver print

A escolha do melão como elemento simbólico é particularmente interessante, pois além de evocar associações com a forma do seio feminino, também pode sugerir ideias de fertilidade e abundância. A correlação com à série de Kosuth, "Uma e três cadeiras" (1965), adiciona outra camada de complexidade à interpretação, destacando a reflexão de Woodman sobre representação e significado na arte.


Enquanto a imagem da "femme fatale" muitas vezes envolve uma figura sedutora e poderosa, a obra de Woodman parece mais voltada para a introspecção e vulnerabilidade do que para o poder de sedução. Embora haja elementos de sensualidade em suas fotografias, elas são combinadas com uma sensação de fragilidade e auto-representação que desafia as convenções tradicionais de representação feminina na arte.

Asia Society, New York

Patty ChangMelões (em uma perda)1998Vídeo de canal único, som3 minutos, 44 segundosAsia Society, New York

Patty Chang emprega a sátira para abordar as questões de gênero contemporâneas. Usando um melão no lugar de um dos seus seios, Chang encena uma automutilação bizarra enquanto corta e come a fruta em um ato de autocanibalismo ou autofagia. Melons é um vídeo baseado na memória sobre a morte de sua tia que faleceu em decorrência de um câncer de mama.

©  Yure Nagashima

Yure NagashimaOnion Boob2005C-printColeção particular

O autorretrato de Nagashima parece questionar, até mesmo ridicularizar, um paradigma intimamente associado ao consumismo e à representação de gênero. Consumismo no sentido econômico, mas também o consumo de alimentos como uma metáfora para o consumo do corpo feminino.


Nagashima aparece em uma fotografia segurando uma cebola na frente do seio esquerdo enquanto segura a camiseta pelos dentes. Em contraste com o leite calmante do seio materno a cebola é conhecida por seu sabor ácido e por provocar lágrimas.

Algumas fontes antigas sugerem que as amazonas removiam o seio direito para melhor manejar o arco e flecha mas deixavam o outro seio para que sua descendência pudesse amamentar. Isso é considerado improvável por muitos estudiosos modernos. Nenhuma obra de arte grega antiga mostra uma mulher com um seio.


Grande parte dessa lenda vem da historiografia mais recente. O sexismo e o colonialismo exageraram a imaginação dos historiadores e exploradores medievais e europeus. O rio Amazonas tem esse nome porque o conquistador do século XVI, Francisco de Orellana, afirmou ter lutado contra um grupo de mulheres guerreiras em um dos rios do Amazonas



Nikolaus KnüpferHércules tomando o cinto de Hipólita como parte de seu nono trabalho.Século XVIIÓleo sobre painel29 x 23 cmMuseu Hermitage, St. Petersburg

Na mitologia grega, as amazonas eram adversárias temíveis dos maiores heróis da época. Dizem que Aquiles, Teseu e Héracles  lutaram contra as amazonas. Os gregos ficavam fascinados e horrorizados com mulheres tão independentes. Elas eram tão diferentes de suas esposas e filhas. No entanto, havia um fascínio.


Na arte grega antiga, as amazonas se assemelhavam a Atena (com armas e capacete) e, mais tarde, a Artemis (em um vestido fino cingido alto para velocidade). Na mitologia grega, Otrera foi a fundadora e primeira Rainha das Amazonas; a consorte de Ares e mãe das amazonas: Hipólita, Pentesileia, Antíope e Melanippe.

Licença Creative Commons Atribuição 2.0 Genérica

Cena da Amazonomaquia do Friso de Bassae: A morte de Pentesileia nas mãos de Aquiles após o ataque aos gregos pelas amazonas420 - 400 aCEscultura de mármore em baixo relevoThe British Museum

Rainha amazônica MelanippeData dos séculos V e VIAntiga cidade de Edessa, atualmente Sanliurfa, na Turquia
Museu du Louvre

Duelo entre uma amazona e um guerreiro gregoSéculo IIDetalhe esculpido em um sarcófago romanoMuseu do Louvre, Paris.

A ideia de que as amazonas eram “bárbaras” lésbicas que abandonaram, mutilaram ou mataram meninos é uma história bastante antiga que circulou entre os gregos, porque vários escritores presumiram que as sociedades amazonas deveriam ser apenas de mulheres.  Até agora, nenhuma evidência apóia que as amazonas existissem como uma sociedade exclusivamente para si mesmas ou  que elas mataram seus bebês do sexo masculino.

Copyright 2009 Musei Capitolini

Cópia de um original do escultor grego, FídiasCabeça: réplica da Amazonas de Polykleitos. Amazona feridaSéculo V aCEstátua de mármore197 cm  Villa d'Este, Tivoli. (Museus Capitolinos, Palazzo Nuovo, Roma)
Metropolitan Museum of Art Collection - Creative Commons Zero.

Cópia romana de um original grego.AmazonasUma amazona feridaSéculo I-II DC Estátua de mármore203.84 cmMetropolitan Museum of Art, Nova York

Copyright: © Courtauld Institute of Art

Bertel ThorvaldsenAquiles e Pentesileia1801GessoMuseu Thorvaldsen, Copenhague, Dinamarca
© 1998–2023 The State Hermitage Museum. All rights reserved

Emil WolffAmazonas1847mármore194 cmThe State Hermitage Museum
Museu du Louvre

Gabriel-Vital DubrayPentesileia1862MármoreFachada leste do Cour Carrée no Palácio do Louvre, Paris 
Photo © President and Fellows of Harvard College

Franz von StuckAmazona Ferida1905Óleo sobre tela72,7 x 62,8 cmHarvard Art Museums