Nu Azul | 2011

No universo da iluminura medieval, a cor azul frequentemente transcende a mera função decorativa, imbuindo as cenas de camadas de significado simbólico e emocional. Um exemplo notável encontra-se na representação da concepção de Merlin. Nesta iluminura, o azul, seja no fundo da composição ou nas vestes das figuras, contribui para a atmosfera de mistério e para a compreensão da natureza singular do evento retratado.

A história da concepção de Merlin é intrinsecamente ligada ao sobrenatural e ao limiar entre o mundo terreno e o infernal. Nascido da união entre uma mortal e um íncubo, sua própria existência é um paradoxo teológico. A escolha do azul pelo iluminador pode ser interpretada como uma alusão a este domínio do desconhecido, do espiritual e do oculto. Na iconografia medieval, o azul podia evocar o céu e o divino, mas também as profundezas insondáveis e o misterioso.

Ao observarmos a iluminura, a presença do azul pode envolver a cena em uma aura de irrealidade, separando-a da mundaneidade do cotidiano. Se o fundo for tingido de azul profundo, ele cria um palco onírico para o encontro fatídico. Se as vestes da mãe de Merlin ou mesmo a figura do íncubo apresentarem tons de azul, isso pode sublinhar a natureza extraordinária dos personagens e do momento. O azul, com sua capacidade de sugerir tanto a serenidade celestial quanto a profundidade abismal, torna-se uma cor evocativa para um evento que desafia as explicações racionais.

Neste contexto, a ausência da cor esverdeada, tradicionalmente associada à morte e à putrefação em representações da Paixão de Cristo, reforça que o azul aqui não carrega a mesma carga dramática de decomposição física. Em vez disso, ele se alinha mais com o mistério da origem, a natureza sobrenatural dos envolvidos e a consequente singularidade de Merlin.

A iluminura da concepção de Merlin, portanto, exemplifica como a cor azul, no contexto da arte medieval, podia ser utilizada para além de sua beleza estética. Ela se torna um elemento narrativo visual, capaz de comunicar a natureza enigmática de um evento e a complexa identidade de uma figura que habita as fronteiras entre a luz e a sombra, o humano e o demoníaco. A escolha do azul convida o espectador a contemplar os mistérios da criação e as intrincadas relações entre os diferentes planos da existência na cosmovisão medieval.

Esta iluminura medieval do início do século XIII, proveniente de um manuscrito Psalter-Hours, apresenta a cena bíblica da tentação de Cristo no deserto. Enquadrada por um medalhão circular verde que delimita o espaço sagrado da narrativa, a composição mostra Cristo em vestes azuis profundas sentado em uma estrutura que sugere o pináculo do Templo, enquanto um demônio azulado se aproxima em postura provocativa.

O uso do azul nesta miniatura articula uma complexa rede de significados simbólicos. Nas vestes de Cristo, o azul comunica sua natureza divina e celestial, cor tradicionalmente associada à transcendência e à verdade imutável na iconografia cristã medieval. Já o demônio, representado em um azul mais pálido e acinzentado, apresenta uma perturbadora apropriação desta mesma tonalidade sagrada — uma subversão cromática que sugere a natureza enganosa da tentação, disfarçada sob uma aparência de verdade.

Esta representação do demônio em azul, ao invés dos mais convencionais vermelho ou negro, reflete uma sofisticada compreensão teológica da tentação não como força bruta, mas como distorção da verdade divina. O artista medieval cria assim uma tensão visual através desta aproximação cromática entre o tentador e o tentado, separados pela natureza de seus gestos e não pela completa oposição de cores. O fundo dourado e os elementos arquitetônicos em azul que enquadram a cena reforçam ainda esta ambiguidade, sugerindo um espaço onde o divino está presente, mas onde também o engano pode se manifestar.

Preservada na prestigiosa coleção da Morgan Library, esta iluminura exemplifica a complexidade simbólica da arte medieval e seu uso sofisticado da cor azul como veículo de significados teológicos e morais que transcendem a mera representação pictórica.

Esta refinada iluminura medieval apresenta São João Evangelista na ilha de Patmos, onde, segundo a tradição cristã, recebeu as visões apocalípticas que registrou no livro do Apocalipse. O santo aparece no centro da composição, adornado com vestes de vermelho vibrante e azul profundo, cores que tradicionalmente simbolizam o divino e o celestial na iconografia cristã. Com expressão serena e concentrada, ele transcreve as revelações em um pergaminho enquanto é cercado por elementos simbólicos e visionários.

O uso do azul nesta iluminura é particularmente significativo não apenas nas vestes do santo, mas principalmente na representação dos demônios que o flanqueiam nas extremidades inferiores da composição. Estes seres híbridos e grotescos, pintados em um azul intenso e sobrenatural, representam as forças adversas que tentam perturbar a transmissão da palavra divina. O azul aqui não é a cor da transcendência serena ou da espiritualidade elevada — como frequentemente aparece na arte sacra medieval — mas uma subversão cromática que assinala o demoníaco disfarçado sob a aparência do divino.

A presença destes demônios azuis estabelece uma tensão visual e simbólica com o céu azulado que domina o plano superior da cena, onde figuras angelicais e raios dourados emanam de uma representação do divino. Este contraste cromático articula visualmente a batalha cósmica entre bem e mal que permeia o texto apocalíptico. O azul, nesta iluminura, torna-se assim um campo de disputa simbólica: simultaneamente cor celestial nas mãos do iluminador e veículo de perturbação quando aplicado às figuras demoníacas que testemunham e tentam interferir na transmissão da revelação divina.

Na iconografia mural do Mosteiro de Tismana, um demônio azul se destaca entre as figuras infernais que povoam as cenas do Juízo Final. Com feições animalescas, olhos esbugalhados e corpo em contorção, ele parece encarnar não apenas o castigo divino, mas uma forma mais enigmática e psicológica do mal. O azul, pouco comum na representação de demônios, aparece aqui como cor ambígua: não remete ao fogo do inferno, mas a um frio inóspito, a um estado de desumanização gélida.

Esse azul gótico, de base mineral (possivelmente azurita ou lápis-lazúli diluído), remete à tradição bizantina, mas é investido de novos significados no contexto romeno ortodoxo. O diabo azul de Tismana é menos uma entidade explícita do pecado e mais uma figura do engano espiritual — o mal que se esconde sob aparência de calma, que atrai pela cor serena e perturba por seu efeito dissonante.

Essa escolha cromática talvez visasse provocar no fiel um estranhamento: o azul, que normalmente evoca o céu e o sagrado, é aqui cor do abismo, do erro, do abismo travestido de quietude. Trata-se, portanto, de uma inversão simbólica, que reconfigura o azul como ameaça oculta, como fachada sedutora de uma danação interior. Neste afresco, a cor funciona como código visual da perversão espiritual: uma beleza sinistra que mascara a queda.

No Japão do século XVIII, em pleno florescimento do período Edo, o pintor Soga Shōhaku (1730–1781) produziu uma série de obras que destoavam radicalmente das convenções formais e estéticas de sua época. Uma dessas obras é o pergaminho pendente com a cena de Sessen Dōji (Sessendōjizu), que retrata a famosa lenda budista na qual o jovem Dōji se sacrifica ao recitar os ensinamentos do Dharma a um demônio disfarçado. No detalhe em questão, observamos a figura de um oni de pele azul, um dos elementos mais expressivos e simbólicos da composição.

O oni — criatura mítica japonesa muitas vezes descrita como ogro ou troll — aparece aqui com pele azul intensa, chifres protuberantes e traços grotescos, visualmente afastado da figura humana. No folclore nipônico, os onis são ambíguos: personificações do mal e da punição, mas também, ocasionalmente, figuras com potencial de transformação moral. O uso da cor azul para marcar esse ser remete à tradição iconográfica japonesa de associar tons não naturais à alteridade, ao sobrenatural e à violência. Onis podem aparecer em vermelho, verde ou azul, mas em todos os casos, o desvio cromático da pele humana reforça sua condição de "Outro".

A escolha do azul, especificamente, carrega conotações psicológicas e espirituais. No contexto budista, o azul é frequentemente associado à sabedoria transcendental (como o Buda Akshobhya), mas também pode indicar frieza emocional, distanciamento e desumanização — qualidades que reforçam o caráter ameaçador do oni. Na obra de Shōhaku, essa ambiguidade parece deliberada: o demônio é, ao mesmo tempo, o antagonista da história e o veículo para a expressão heroica de compaixão e sabedoria por parte do Dōji.

Do ponto de vista historiográfico, o trabalho de Shōhaku tem sido interpretado como parte de uma vertente excêntrica da pintura japonesa, alinhada à escola Zenga e influenciada pelo Zen, em que a estranheza e a ruptura visual operam como estratégias de transcendência estética e espiritual. A inclusão do oni azul, neste caso, não é apenas decorativa ou narrativa, mas serve para destacar o contraste moral e visual entre o plano da ignorância e o da iluminação.

A linguagem visual do pergaminho é marcada pelo uso vigoroso do traço a tinta, de composição vertical e vazios calculados — elementos que refletem tanto a herança chinesa quanto uma reinvenção local que caracteriza a produção de Shōhaku. O oni azul se inscreve, assim, em uma longa tradição de representação do monstruoso como espaço liminar, onde o terror e o sagrado se encontram.

Na representação de Vishnu Vishvarupa, a divindade hindu é retratada em sua forma cósmica total — o azul profundo de sua pele não é apenas um atributo iconográfico tradicional, mas um veículo simbólico que comunica sua natureza transcendental e infinita. Este azul denso e luminoso corporifica o divino que se manifesta como o próprio universo: é a cor do céu ilimitado e do oceano primordial, reinos onde o visível e o invisível se encontram.

A composição, elaborada em aquarela opaca e detalhes em ouro sobre papel, apresenta a divindade em múltiplas faces e membros, cada elemento incorporando diferentes aspectos da existência cósmica. O azul aqui opera como um campo unificador que harmoniza esta multiplicidade divina — é simultaneamente corpo e cosmos, imanência e transcendência.

Esta representação de Vishvarupa ("forma universal") pertence à tradição pictórica de Jaipur do início do século XIX, período em que influências estéticas mogóis já haviam sido incorporadas às tradições locais rajastânicas. O uso do azul como significante do divino reverbera tanto nas práticas devocionais hindus quanto na rica tradição cromática indiana, onde esta cor é associada à proteção, à preservação e ao infinito. Através desta escolha cromática, o artista inscreve o corpo divino numa dimensão que transcende as limitações materiais — um azul que é menos representação e mais manifestação de uma realidade além da percepção ordinária.