O homem cactus | 2014

A evocação da natureza no autorretrato de Mantegna é feita pela grinalda exuberante e simbolicamente rica que emoldura sua placa dedicatória. Ela conecta simbolicamente a obra do artista, seu próprio status, o patrono Gonzaga e a benção divina/celestial à ideia de abundância, prosperidade, fertilidade e beleza efêmera. Baseada em sólidos precedentes clássicos e reavivada pelos primeiros renascentistas, esta representação, inserida no contexto inovador da Camera degli Sposi, teve um impacto profundo na auto-representação dos artistas, no desenvolvimento da pintura ilusionista de tetos e no tratamento simbólico de elementos naturais na arte ocidental.

Flores e frutas são símbolos clássicos da beleza efêmera da vida e da passagem do tempo, um lembrete sutil mesmo em um contexto celebrativo. 

Esta escultura retrata um deus remetendo ao momento de seu nascimento até as resplandecentes transformações como flor desabrochando. A representação reflete sobre um modelo de regeneração e resiliência. A evocação da natureza conecta simbólica e automaticamente às forças sobrenaturais.

A interconexão entre o conhecimento agrícola, as crenças espirituais e a arte na cultura maia reflete a importância da agricultura para a sobrevivência da comunidade, a valorização dos saberes ancestrais e a busca pela harmonia com a natureza em um mundo cíclico.

Na série de retratos 'Femme-fleur' de Picasso, pintados durante uma primavera, a musa Françoise Gilot, era a pintora que foi sua amante, com quem teve dois filhos. Quando Picasso a apresentou a Matisse, que logo expressou o desejo de pintá-la com a pele em tons de azul e verde, uma proposta que intrigou Picasso, que ainda não havia imortalizado sua amada em tela.

O cabelo verde foi uma inspiração de Matisse. Picasso a retrata como uma flor solitária e enraizada, com seus cabelos transformados em folhas e seus seios, que lembram pétalas ou frutos, amplamente voluptuosos e orgânicos. Essas representações evocam fortemente a mensagem da fertilidade, capturando a essência da primavera tanto na natureza quanto no amor.

Alraun é a raiz de uma planta medicinal conhecida desde o século VI chamada “mandrágora” (raiz de alraun). A raiz grossa dessa planta lembrava um homúnculo, por isso começaram a esculpir rostos humanos e pequenos bonecos - gnomos, também chamados de "Alraun"s e aos quais eram atribuídas propriedades mágicas e vários significados supersticiosos.

Menções a esses Alrauns, minúsculas criaturas, espíritos que vivem nas raízes da mandrágora, podem ser encontrados em antigas lendas germânicas, na mitologia e no folclore de outros povos europeus, na literatura, nas artes visuais, nos filmes, nos rituais sobreviventes de festivais folclóricos e religiosos.

A planta aqui não é um organismo, mas uma extensão simbólica do corpo do palhaço – seus "espinhos" são ferramentas de defesa e isolamento. Os espinhos representam uma armadura frágil, típica do palhaço: sua comicidade mascara dor. A fusão humano-vegetal simboliza solidão existencial – como uma planta no deserto, o palhaço sobrevive em terreno árido (sociedade).

1931 marca a ascensão nazista na Alemanha, onde Klee lecionava na Bauhaus (fechada em 1933). A obra reflete o mal-estar social: o palhaço é o artista como bode expiatório, cujos espinhos são sua arte resistente. Klee iniciava sua batalha contra a esclerodermia, doença que endureceu sua pele – os "espinhos" podem aludir à dor física convertida em arte. Seu ensaio "Caminhos do Estudo da Natureza" (1923) defende: "A arte não reproduz o visível, torna visível". O palhaço-espinheiro é a materialização dessa ideia: a natureza interior exposta como paisagem simbólica.

As agulhas cravadas no autorretrato fotográfico transformam o rosto humano em uma superfície cactácea ou espinhosa, evocando plantas adaptadas a ambientes hostis (cactos, roseiras, cardos). A "pele-vegetal" criada pelas perfurações remete à defesa passiva da natureza – onde espinhos são escudos contra predadores –, mas invertida: aqui, a agressão é autoinfligida e ritualística.Soltau usa seu corpo desde os anos 1970 para explorar gravidez, envelhecimento e trauma. As agulhas aqui são alfinetes de ama (figura que a criou) e seringas ginecológicas.

Soltau perfura seu próprio rosto, convertendo-o em campo de batalha simbólico. Os espinhos simbolizam: Resistência à objetificação (a pele como escudo contra o olhar masculino); Dor da maternidade e envelhecimento (temas recorrentes em sua obra, como na série "Generativ" com fios costurando corpos); A fusão humano-cacto representa autopreservação através da dor: como plantas do deserto, mulheres sobrevivem em ambientes áridos (patriarcado, padrões de beleza).

A obra constrói uma figura humana a partir de tubos e hastes de aço que se ramificam em ângulos agudos, evocando estruturas naturais como: Cristais de gelo (padrões hexagonais fractais); Galhos de árvores (sistemas de ramificação dendrítica); Redes neuronais ou sistemas vasculares (fluxos energéticos materializados). A precisão matemática das conexões contrasta com a explosão assimétrica das extensões, simulando o crescimento biológico sujeito a forças ambientais. O aço corten (oxidado) remete a rochas ferruginosas, transformando o corpo humano em um monumento telúrico – natureza industrializada.

A obra só existe em diálogo com seu entorno: as hastes penetram o vazio como raízes no solo, questionando: Onde termina o corpo e começa o mundo? Influenciado pela fenomenologia de Merleau-Ponty, Gormley entende o corpo como "campo de experiência" – "Capacitor" é um diagrama tridimensional dessa ideia.