A Madona rodeada por Serafins e Querubins | 2012
A Madona rodeada por Serafins e Querubins | 2012
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Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: A Madona rodeada por Serafins e Querubins
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2012
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: autorretrato, portrait, leite, mamadeira, amamentação, bebê, anjos, bonecos infantis, plano médio
Obras Relacionadas: "Madonna Surrounded by Seraphim and Cherubim", 1452, de Jean Fouquet
Artistas Relacionados: Jean Fouquet
⚿ Palavras-chave
#releitura #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Título da obra: A Madona rodeada por Serafins e QuerubinsCriador: Alexandre MuryData de criação: 2012Fotografia / Autorretrato performático© Alexandre Mury
A obra Madona, Serafins e Querubins (2012), de Alexandre Mury, é uma fotografia performática que reinterpreta a iconografia religiosa tradicional, inserindo-a em um contexto contemporâneo carregado de ambiguidades e críticas sociais. Mury ocupa o lugar da Madonna, vestindo trajes que remetem às roupas sagradas da Virgem Maria, mas sua figura contrasta fortemente com a representação clássica: ele mantém a barba, um traço marcante de sua identidade masculina, enquanto segura um boneco de plástico no colo, criando uma tensão entre o feminino e o masculino, o sagrado e o profano.
A cena é construída com precisão visual: Mury e o boneco estão ambos vestidos de branco, estabelecendo uma conexão estética que sugere uma relação de cuidado ou parentesco. No entanto, em vez de oferecer o seio, como na pintura tradicional da Madonna lactante, Mury conduz até a boca do boneco uma mamadeira. Esse gesto, aparentemente simples, é carregado de significados. Ele pode ser lido como uma crítica à idealização da maternidade, uma reflexão sobre a adoção ou até mesmo uma metáfora da paternidade, temas que ganham relevância em um mundo onde as estruturas familiares e os papéis de gênero estão em constante transformação.
A presença da barba de Mury é crucial para a leitura da obra. Ao não esconder sua identidade masculina, o artista desafia a expectativa do espectador e questiona as convenções de gênero associadas à figura da Madonna. Essa ambiguidade conflituosa entre o feminino e o masculino gera uma tensão que vai além da mera androginia, propondo uma reflexão sobre como as identidades são construídas e performadas socialmente. Mury não se esconde atrás de uma persona completamente transformada; em vez disso, ele expõe a contradição, convidando o espectador a confrontar suas próprias noções sobre gênero, cuidado e sacralidade.
Os serafins e querubins, representados por bonecos de plástico, acrescentam uma camada de ironia à obra. Esses seres celestiais, tradicionalmente associados à pureza e à divindade, são aqui substituídos por objetos massificados e descartáveis, questionando a noção de sacralidade em um mundo dominado pelo consumo e pela produção em massa. A presença desses objetos também pode ser lida como uma crítica à banalização do sagrado na cultura contemporânea, onde símbolos religiosos são frequentemente apropriados e ressignificados de maneiras inesperadas.
A mamadeira improvisada, por sua vez, não é um mero substituto do seio materno, mas uma alegoria que Mury explora com engenhosidade. Ela sugere a possibilidade de uma parentalidade não biológica, como a adoção, e questiona os papéis tradicionais de gênero associados ao cuidado. Ao mesmo tempo, o gesto de alimentar o boneco pode ser visto como uma metáfora da criação artística, onde o artista nutre sua obra, dando-lhe vida e significado.
Jean FouquetA Madonna rodeada por Serafins e QuerubinsMadonna surrounded by Seraphim and Cherubim1420 - 1471Royal Museum of Fine Arts AntwerpAntwerpen, Bélgica
A Virgem e o Menino com Anjos (c. 1452), de Jean Fouquet, é uma das obras mais icônicas do Renascimento francês. Criada como parte do Díptico de Melun, a pintura representa a Virgem Maria segurando o Menino Jesus, cercada por querubins vermelhos e serafins azuis. A composição se destaca pela sofisticação técnica e pelo uso inovador da perspectiva e do volume, evidenciando a influência da arte italiana sobre Fouquet.
O aspecto marmóreo da Virgem e a composição simétrica sugerem não apenas um ideal estético, mas também um forte simbolismo religioso e político. Acredita-se que a obra tenha sido encomendada por Etienne Chevalier, conselheiro do rei Carlos VII da França. O díptico inclui ainda um retrato de Chevalier ao lado de São Estêvão.
Um dos aspectos mais marcantes da pintura é o contraste de cores, que acentua a nudez e destaca os seios fartos da Virgem, conferindo à imagem um toque quase erótico. De fato, especula-se que a Madona tenha sido inspirada nas feições de Agnès Sorel, amante de Carlos VII. Durante o Renascimento, à medida que a arte redescobria as representações físicas da Antiguidade, surgiram imagens mais sugestivamente eróticas da Virgem. Para uma obra devocional, esta Madonna se revela particularmente ousada, com seu seio grande, esférico e idealizado. Seu olhar, voltado para o filho por cima do seio, evidencia que ela, e não o bebê, é o verdadeiro ponto focal da composição.
A pintura, também conhecida como Madonna Rodeada por Serafins e Querubins (Madonna Surrounded by Seraphim and Cherubim), faz parte da coleção do Royal Museum of Fine Arts Antwerp, em Antuérpia, Bélgica.
Jean Fouquet (1420–1471) consolidou-se como um dos maiores pintores do Renascimento francês, e esta obra permanece uma de suas criações mais inovadoras e enigmáticas.
© 2019 RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Adrien Didierjean
Antoine Denis ChaudetPierre Cartellier (terminado por)"Oedipe enfant rappelé à la vie par le berger Phorbas qui l'a détaché de l'arbre"Forbas, o pastor que resgata e salva a vida do infante Édipo e finalmente o entrega a Políbio de Corinto. 1810-18181,96m x 0,75m x 0,82mEscultura de mármoreMusée du Louvre
Antoine Denis ChaudetPierre Cartellier (terminado por)"Oedipe enfant rappelé à la vie par le berger Phorbas qui l'a détaché de l'arbre"Forbas, o pastor que resgata e salva a vida do infante Édipo e finalmente o entrega a Políbio de Corinto. 1810-18181,96m x 0,75m x 0,82mEscultura de mármoreMusée du Louvre
O homem alimentando o bebê era Forbas, uma pastor que salvou a criança que encontrou pelo caminho. Ele o deu a Políbio e sua esposa, Peribea. Juntos, eles o criaram e o chamaram de Édipo. O menino era filho de Laio e Jocasta, reis de Tebas. Quando eles iam se casar, o oráculo de Delfos os avisou que o filho que eles teriam seria o assassino de seu pai e mais tarde se casaria com sua mãe. Quando seu primogênito nasceu, Layo encarregou alguém de matar a criança para que o futuro desastroso que o oráculo havia previsto para eles não se tornasse realidade. Essa pessoa foi ao Monte Citeron, amarrou os pés da criança e pendurou-a em uma árvore para que morresse aos poucos. Édipo, que significa aquele com os pés inchados.
© dzięki uprzejmości A. Rzepeckiego
Adam Rzepecki "Projekt pomnika Ojca Polaka""Projeto do Monumento ao Pai Polonês""Project of the monument of the Polish Father's"fotografia70 × 50 cm 1981
Adam Rzepecki "Projekt pomnika Ojca Polaka""Projeto do Monumento ao Pai Polonês""Project of the monument of the Polish Father's"fotografia70 × 50 cm 1981
Na foto você pode ver o artista que está segurando sua filha Joanna ao peito. A obra foi criada em 1981 e foi uma resposta à homenagem à mãe polonesa usado na propaganda da decadente República Popular da Polônia. O fio político assume um novo significado atual. É uma das primeiras obras na história da arte polonesa a abordar a questão da performatividade de gênero. Durante séculos por imposição das religiões, papéis sociais foram “adequados” a pessoas de sexos opostos.
Maurice GuibertPortrait of Henri de Toulouse-Lautrec1892-1900Ferrotyped silver print23,5 x 17,8 cmColeção particular
Neste retrato, Toulouse-Lautrec exibe um coque no cabelo, veste um quimono japonês e posa com uma boneca e um leque. A composição desta fotografia é deliberada e complexa, com um uso notável de elementos culturais e acessórios simbólicos. Como muitos artistas franceses de sua época, influenciados pelo japonismo, Toulouse-Lautrec, explorou a estética japonesa não só nesta fotografia como em grande parte de seu trabalho com desenho e pintura.
O quimono, um símbolo de uma cultura distante e, na época, exótica, sugere uma fluidez e uma abertura cultural do final do século XIX. A boneca, tradicionalmente associada à infância e à feminilidade; O leque, por outro lado, é um objeto com conotações tanto práticas quanto estéticas, muitas vezes usado como um acessório de moda que também serve para ocultar e revelar, criando uma dinâmica de mistério e sedução.
Esta fotografia de Guibert é, portanto, não apenas um retrato de um indivíduo, mas uma declaração visual sobre identidade, cultura e gênero. Toulouse-Lautrec, conhecido por seu trabalho inovador e sua vida boêmia, encontra-se aqui retratado de maneira que amplifica essas qualidades, transformando a fotografia em uma obra de arte que transcende o simples registro.
Marina AbramovicBullett Magazine2012Fotografia de Xevi Muntane, diretor de arte: Jack Bencht
A imagem é cuidadosamente composta, com um uso magistral de contraste e simbolismo. Ao substituir o bebê humano por um filhote de tigre, Abramović não apenas desafia as normas tradicionais de maternidade, mas também questiona a própria natureza do cuidado e da nutrição. A escolha de um tigre, um animal associado à força e à ferocidade, sugere uma maternidade que é poderosa e selvagem, em oposição à visão suavizada e domesticada frequentemente imposta às mulheres.
A obra de Marina Abramović, tanto em sua prática artística quanto em suas declarações públicas, continua a ser uma força disruptiva no mundo da arte. Abramović declara que fez três abortos por que "um filho teria sido um desastre" para o seu trabalho. Politicamente, a imagem e as declarações de Abramović podem ser vistas como uma forma de ativismo. Sua arte, assim, não é apenas uma expressão pessoal, mas também um meio de catalisar discussões sociais e políticas. A decisão de Abramović de não ter filhos e sua franca discussão sobre o impacto das responsabilidades familiares na carreira das mulheres revelam as tensões persistentes entre gênero e trabalho.
© 2023 Cindy Sherman, courtesy of the artist and Metro Pictures, New York
Cindy ShermanSem título n.216.Da série Retratos históricos1989Fotografia, impressão cromogênica221,3 × 142,5 cmMoMA
Cindy ShermanSem título n.216.Da série Retratos históricos1989Fotografia, impressão cromogênica221,3 × 142,5 cmMoMA
Cindy Sherman denuncia a distorção que as obras de arte sofrem em função do tempo. Através da artificialidade da fotografia, combinando figurinos, dispositivos protéticos e maquiagem, sua obra não é um espelho fiel das obras originais. Sherman parodiando os estereótipos femininos acaba por desconstruir as concepções de feminino implantadas em nossa memória por tais obras do passado.
Centro de Estudios Legales y Sociales . Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA)
León FerrariLeche1996Tinta e colagem sobre caixa de leite de papelãoColeção Particular
León FerrariLeche1996Tinta e colagem sobre caixa de leite de papelãoColeção Particular
Esta mistura de sagrado com o profano, recebeu muita rejeição. Para León, a reação não era só esperada, bem como contumaz. O polémico artista argentino León Ferrari reuniu arte erudita com imagens mundanas e criou os pacotes de leite mais controversos até então vistos. Como artista conceptual sempre lhe importou tanto a mensagem mas também a revolta sentida por instituições controladoras, como a Igreja Católica. A sua postura sempre desafiou a censura, inclusive a condenação do arcebispo Jorge Bergoglio, actual Papa Francisco.
Maria Magdalena Campos-Pons
Maria Magdalena Campos-Pons“When I Am Not Here / Estoy Allá” 1994
Maria Magdalena Campos-Pons“When I Am Not Here / Estoy Allá” 1994
Esta obra tem afinidades com Iemanjá — a mãe carinhosa e protetora feroz. As cores branco e azul estão associadas á este orixá, que reside no oceano e é representada frequentemente, da cintura para cima, como uma mulher negra voluptuosa, e da cintura para baixo ,completa a figura híbrida, com uma cauda de peixe.
Temas recorrentes no trabalho da artista cubana, Maria Pons, abordam o papel da mulher na sociedade, bem como o caráter da herança afro-cubana.
Sumi AnjumanEu também sou a mãe2019https://sumianjuman.com/somewhere-else-than-here
Esta fotografia insere-se no projeto de longo prazo "Somewhere Else Than Here" (Em outro lugar que não aqui), que investiga a jornada de indivíduos da comunidade LGBTQI+ em Bangladesh. A obra é uma intervenção artística e social que desestabiliza a iconografia religiosa e o discurso normativo de gênero por meio de uma reativação subversiva de símbolos culturais e religiosos.
A artista utiliza a figura de um homem como "mãe", desvinculando o papel maternal de uma identidade de gênero específica e biológica. Esta representação é um comentário potente sobre o desejo de paternidade/maternidade e o amor parental que transcende as fronteiras do gênero e da biologia. Ao evocar a figura da Virgem Maria, Sumi Anjuman explora como a "imaginação religiosa" define papéis de gênero e expectativas sociais. A obra confronta o espectador com a premissa de que a santidade da maternidade pode ser encontrada em qualquer pessoa, independentemente de seu gênero.
A imagem integra-se à prática artística de Anjuman, que utiliza a fotografia como uma forma de "protesto não violento". A encenação fotográfica não apenas documenta, mas também constrói uma narrativa visual que desafia o discurso dominante e preconceituoso. Ao colocar um homem no papel sagrado da mãe, a artista convida à reflexão sobre a exclusão e a violência simbólica enfrentadas pela comunidade LGBTQI+ em contextos conservadores. A obra questiona a "angústia fanática" e o "isolamento homofóbico" mencionados no texto, oferecendo uma imagem de aceitação e ternura que se opõe diretamente a essas violências.
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