Papoula | 2013

Detalhes / OBRA DE ARTE


Título: Papoula

Criador: Alexandre Mury

Data de criação: 2013

Tipo: fotografia

Meio: C-print (impressão cromogênica)


Período da Arte: Contemporâneo

Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática

Assunto:  fotografia de autorretrato,  releitura, dramatização, pintural corporal, trompe-l'oeil 

Obras Relacionadas: Le Coquelicot (The Corn Poppy), 1919, Kees van Dongen

Artistas Relacionados: Kees van Dongen



  Palavras-chave

#autorretrato #releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira


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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal  de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Obra de arte, Performance do artista Alexandre Mury encenando uma releitura da obra de Kees van Dongen, Le Coquelicot (The Corn Poppy), 1919.
Título da obra: PapoulaCriador: Alexandre MuryData de criação: 2013Fotografia / Autorretrato performático© Alexandre Mury
A pintura possui um fundo marrom e ocre. A modelo está posicionada de perfil, com a cabeça virada para o lado, proporcionando uma visão frontal do rosto da modelo com os olhos voltados para trás do corpo. Ela veste uma blusa cinza e um turbante vermelho. Seus olhos são grandes e bem marcados, com maquiagem em tons de preto. Sua boca é pequena e está com batom vermelho, contrastando com a pele clara de seu rosto redondo. Seu pescoço é esguio e seu braço é magro.
© Artists Rights Society (ARS), Nova York/ ADAGP, Paris


Kees van DongenLe Coquelicot (The Corn Poppy)1919Óleo sobre tela54,6 × 45,7 cmMuseum of Fine Arts, Houston

Com seu chapéu vermelho vibrante, que era popular na época; a maquiagem escura nos olhos, dando contornos misteriosos; a boca pequena, de lábios pronunciados no batom vermelho — tornam uma figura feminina definitiva do período “La Folle Époque” (anos loucos). Na década de 1920, eram conhecidas como as garçonnes na fraça; flappers, nos Estados Unidos; e melindrosas, no Brasil. Uma época de mais liberdade independência para as mulheres  —  elas eram fiéis a si mesmas.

Em 1917, Kees van Dongen, enquanto morava sozinho em Paris, iniciou um relacionamento com uma socialite casada, a diretora de moda Léa Alvin, também conhecida como Jasmy Jacob. Ela provou ser o canal entre van Dongen e as classes altas e, por meio de suas apresentações, surgiram inúmeras encomendas de retratos. 

Kees van Dongen logo ganhou reputação por seus retratos sensuais. Quando alcançou a popularidade começou a pintar retratos das mulheres da alta sociedade. Algumas das obras mais famosas do pintor retratam celebridades da moda, incluindo a atriz francesa Brigitte Bardot. Àquelas que diziam «não estou parecida», respondia: Quando alguém se deixa pintar por um pintor célebre, só lhe resta uma hipótese: tornar-se parecida com o retrato.  

O artista começou seus estudos na Academia Real de Belas Artes de Rotterdam, muda-se para Fraça em 1918. Van Dongen foi influenciado fortemente por seu envolvimento inicial com Henri Matisse e os Fauves. Seu estilo distinto de pintura também tem origem nos desenhos satíricos que fez para jornais no início de sua carreira. Van Dongen começou desenhando cenas de marinheiros e prostitutas. Ele ilustrou, em 1901, uma edição inteira de L'Assiette au beurre, uma revista que se dedicava à política e questões sociais, o tema de então era a prostituição sob a perspectiva das condições das prostitutas  —  a prostituição na Paris contemporânea como um fenômeno sintomático da degeneração da burguesia.

Still / Le Testament d'Orphée .1960


Jean CocteauO Testamento de Orfeu  (Le Testament d'Orphée)1960Filme em preto e branco com alguns segundos de filme colorido emendados.  Terceira parte da séries de filmes: Trilogia ÓrficaFantasia/Drama  1h 19m ______________

 O olhar dos personagens de Jean Cocteau com olhos pintados, que parecem estar sempre olhando para um objeto desconhecido, que nunca piscam, mas que, no entanto, parecem ver algo no vazio — Na trama  que narra a morte e ressurreição do poeta, Le Testament d'Orphée (1960), Jean Cocteau interpreta a si mesmo, misturando sonho e realidade, passado, presente e futuro num mundo onde reina a estética. É considerada a parte final de uma trilogia, seguindo "Le sang d'un poète" (1930) e "Orphée" (1950).  

Cocteau descreve Édipo e Orfeu como figuras que assombram sua criação, das quais ele não pode escapar. Édipo é, em certo sentido, o duplo de Orfeu. Na filmografia de Cocteau, o uso de olhos artificiais representa o olhar interior, morte e transcendência —  suas pálpebras fechadas com os olhos pintados também são uma metáfora da repressão dos desejos íntimos.

Apontando a câmera para uma direção enquanto tirava a foto na outra 


 —  Strand executou uma série de retratos de rua espontâneos com uma câmera manual equipada com uma lente falsa.


Paul StrandCega1916 Impressão em platina34 x 25,7 cmColeção de Alfred Stieglitz, 1933


Amedeo MidiglianiRetrato de Léopold Survage1918Óleo sobre tela61.5  x  46 cmAteneum Art Museum, Helsinque, Finlândia

"Quando eu conhecer sua alma, pintarei seus olhos”   são as palavras mais citadas de Amedeo Modigliani , que ficaram famosas por um filme biográfico com Andy Garcia. 


Léopold Survage perguntou, ao ver o retrato que Modigliani acabara de fazer dele: 

“Por que você só me deu um olho?” 

Modigliano respondeu: 

“Porque olhamos o mundo com um olho e com o outro, olhamos para dentro de nós mesmos. "


Em outra ocasião Modigliani  dirá:

"Olhos sem pupilas, na minha opinião, não tiram a alma de seus donos. No entanto, eles os tornam menos acessíveis para nós e mais afundados em seu próprio mundo interior."

© Archivio Penone / Adagp, Paris, 2022

Giuseppe PenoneInvertendo o olhar (Rovesciare i propri occhi)1970Fotocolagem de impressões em preto e branco, gelatina prata tingida com selênio sobre papel barita 20 x 27 cmColeção particular

No início dos anos 1970, Giuseppe Penone  usou seu corpo como tema principal. Em 'Rovesciare i propri occhi' (Inverter os olhos), o jovem artista italiano usa lentes de contato espelhadas, feitas sob medida, tornando-o cego e oferecendo ao observador a sua visão. As superfícies sensíveis da córnea deixam de ser “ janelas da alma ” para se tornarem telas convexas para o ver-se a si mesmo no outro.

All M.C. Escher works © Cordon Art BV - Baarn - the Netherlands.


M.C. EscherEye31.9 x 31.7 cmImpressão mezzotint1946Cordon Art-Baarn, the Netherlands

Quando Escher desenhou o esboço para esta obra, ele criou olhando para ele mesmo em um reflexo. Sentiu que era necessário e lógico transmitir alguém, um observador refletido no espelho convexo do olho, e então decidiu desenhar uma caveira também. Explicou: “todos nós somos confrontados com a morte, gostemos ou não”. 


'Olho' é uma obra de arte única cujo jogo de luz e sombra, perspectiva e forma, convida o espectador a contemplar os mistérios do olho humano como uma janela para a alma. Nesta obra, Escher mostra o domínio da técnica e seu interesse pela ilusão e percepção de ótica. Escher contribuiu para o desenvolvimento do surrealismo e do expressionismo, e é mais conhecido por seu trabalho pioneiro no cubismo e por fraturar o plano bidimensional da imagem. 

© 2023 C. Herscovici, Brussels / Artists Rights Society (ARS), New York


René Magritte O Falso Espelho1928Óleo sobre tela54 x 80,9 cmMoMA

O céu parece visto através de uma janela circular, em vez de espelhado na superfície líquida esférica de um olho, não apresenta nenhum traço de convexidade. O fotógrafo surrealista Man Ray já foi dono de 'O Falso Espelho', que ele descreveu de forma memorável como uma pintura que “vê tanto quanto ela mesma é vista”. 

© Man Ray Trust / Adagp, Paris

Man RayLe Marquise Casati1922Gelatina de brometo de prata em suporte flexível de nitrato de celulose23,5 x 17,5 cmCentre Pompidou

A apropriação do borrão e do desfoque acidental na fotografia pelos artistas do século XX permitiu a liberdade de explorar novas formas de representação visual. Man Ray adicionava um elemento de imprevisibilidade e transformava as imagens em algo mais surreal. Ele busca ir além dos limites tradicionais da fotografia, explorando técnicas como a solarização, queima, dupla exposição e sobreposição para criar efeitos visuais únicos e incomuns.


A Marquesa Casati, conhecida por sua exuberância e extravagância, foi uma musa e mecenas que atraiu a atenção de diversos artistas, incluindo Man Ray. Ela era uma figura marcante do início do século XX e foi imortalizada em retratos feitos por vários pintores, assim como em fotografias de Man Ray.


A Marquesa Casati era famosa por suas festas e seu estilo de vida luxuoso, que atraíam aristocratas, intelectuais, poetas e artistas. No entanto, sua vida extravagante e as dívidas acumuladas levaram à sua ruína, e ela morreu na miséria em 1957. 


金巻 芳俊 Yoshitoshi KanemakiSwing Individual2016Pintura em madeira15,5 × 9 × 9 cmColeção particular


Francis PicabiaDuas cabeças1935.Óleo sobre tela81 x 64,8 cmColeção particular

Em 1925, Francis Picabia estabeleceu residência na Côte d'Azur, mais especificamente em Mougins, próximo a Cannes. Essa mudança ocorreu devido ao seu descontentamento com o ambiente artístico de Paris. Durante esse período, ele desenvolveu um novo estilo pictórico que ele mesmo definiu como "monstros e transparências". Mais tarde, Picabia retornou ao surrealismo.


As obras dadaístas de Picabia e seu fascínio pela transparência e opacidade influenciaram suas estratégias de pintura nas décadas de 1920 e 1930. Ele utilizou técnicas de camadas, mascaramento e sobreposição, buscando inspiração em fenômenos naturais, afrescos românicos, pintura renascentista e arte catalã. Na série chamada de "Transparências" Picabia complexifica a concepção de arte como uma janela ou reflexo direto do mundo. Em vez disso, ele procurou criar uma interação surreal de imagens que desafiasse as interpretações tradicionais e imediatas.



Frederick SommerRetrato de Max Ernst1946Gravura em gelatina prata19,2 x 24,1 cmMoMA

Nesta obra são duas fotografias sobrepostas, onde o assunto é o artista surrealista, Max Ernst. Ao combinar um retrato com a imagem de uma parede corroída, Sommer gerou imagens reais para criar uma que não existe na realidade. Sommer explorou os limites da abstração e da representação, assim como se desafiou por meio de exercícios formais na relação de cores, linhas e espaço compositivo.


No variado corpo de trabalho de Frederick Sommer fica demonstrada a influência de suas amizades com outros artistas. Sua amizade com Max Ernst, cujas técnicas de pintura automática e imagens misteriosas encorajaram Sommer a reconfigurar objetos familiares em novas e estranhas criações. Sua abordagem inclue a influência de Man Ray ao fotografar montagens e sua exploração da abstração

© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí 

Salvador DalíRosto de Mae West que pode ser usado como apartamento1934–35Guache com grafite sobre página de revista impressa28,3 × 17,8 cmArt Institute of Chicago

Tomando como base uma página de revista, Dali fez uma extravagante intervenção com lápis, guache e colagem. Esta é uma representação da atriz, dramaturga e cantora americana, Mae West, uma controversa diva e "sex symbol" da época. A obra de Dalí confunde um rosto com o interior de uma sala e seus móveis: seu nariz se torna a lareira, seus lábios o sofá, seus olhos um par de pinturas na parede e seus cabelos as cortinas.


Edward James, um poeta britânico e patrono da arte surrealista, encomendou os primeiros sofás Mae West, que desde então foram copiados, modificados, revisitados, reproduzidos e vendidos sob diferentes nomes por vários fabricantes de móveis e designers.


Produzido pelo poeta e colecionador Edward James e por Dali em 1938, a sala composta por 2 quadros do artista, uma lareira e o sofá - olhos, nariz e boca - é uma reprodução da obra de Salvador Dali. O mobiliário está exposto no Dali Museum.



Norman ParkinsonHomenagem a 'Le Coquelicot' de Kees van DongenModelo Adele CollinsPublicada na Vogue britânica em novembro de 1959C-Type Print40,64 x 50,8 cm; 50,8 x 60,96 cm e 76,2 x 101,6 cmColeção particular