Papoula | 2013
Papoula | 2013
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Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: Papoula
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2013
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: fotografia de autorretrato, releitura, dramatização, pintural corporal, trompe-l'oeil
Obras Relacionadas: Le Coquelicot (The Corn Poppy), 1919, Kees van Dongen
Artistas Relacionados: Kees van Dongen
⚿ Palavras-chave
#autorretrato #releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Título da obra: PapoulaCriador: Alexandre MuryData de criação: 2013Fotografia / Autorretrato performático© Alexandre Mury
A obra "Papoula" (2013), de Alexandre Mury, é um exemplo singular da interseção entre pintura, fotografia e performance, desafiando os limites entre essas linguagens artísticas. Inspirada em "Le Coquelicot" (1919) de Kees van Dongen, a obra de Mury não apenas referencia, mas também reinventa a tradição pictórica por meio de um jogo de ilusão e crítica. Utilizando a pintura corporal como estratégia central, o artista se camufla na imagem, transformando-se ao mesmo tempo em sujeito e objeto da obra. A sobreposição entre sua identidade real e a personagem representada cria um efeito de trompe-l'oeil, evocando uma tensão visual que desafia a percepção do espectador.
A referência a "Le Coquelicot" não é meramente formal, mas conceitual. A figura feminina retratada por Van Dongen, com seu chapéu vermelho vibrante, maquiagem escura e batom marcante, representa a mulher da "La Folle Époque", período em que as garçonnes francesas e as flappers americanas simbolizavam um novo ideal de feminilidade, marcado pela independência e liberdade. Ao se apropriar dessa iconografia e transpor para si mesmo, Mury subverte as convenções de gênero e identidade, introduzindo uma nova camada de interpretação à obra.
A técnica empregada por Mury reforça a ambiguidade entre o real e o ilusório. Seus olhos reais são ocultados sob camadas de tinta, enquanto olhos pintados acima de sua anatomia criam uma dissonância perceptiva. Esse recurso lembra a exploração do olhar em "Le Testament d'Orphée" (1960), de Jean Cocteau, no qual olhos artificiais simbolizam transcendência e repressão do desejo. Da mesma forma, o olhar deslocado em "Papoula" desafia a forma como enxergamos e somos enxergados, remetendo também à obra "O Falso Espelho" (1928) de René Magritte, que questiona a própria natureza da visão.
A construção visual de "Papoula" dialoga com diferentes tradições artísticas. O efeito trompe-l'oeil evoca a obra de Giuseppe Penone, "Rovesciare i propri occhi" (1970), onde lentes espelhadas invertem a relação entre observador e observado. A fusão entre figura e fundo em Mury também se aproxima das estratégias surrealistas de Man Ray e da exploração da transparência em Francis Picabia. Ao transitar entre pintura e fotografia, Mury remete à ambiguidade explorada por artistas como Salvador Dalí, que na obra "Rosto de Mae West que pode ser usado como apartamento" (1934-35) transforma um rosto em ambiente arquitetônico, reforçando a ideia de multiplicidade perceptiva.
Ao se tornar o suporte de sua própria obra, Mury desestabiliza noções tradicionais de autoria e identidade. A presença de sua barba, quase encoberta pela tinta, cria um atrito visual com a feminilidade da personagem inspirada em Van Dongen. Esse deslocamento entre o masculino e o feminino reforça uma leitura queer da obra, alinhando-se à fluidez identitária presente em sua produção. O ato performático de Mury não é apenas um gesto de mimetismo, mas um questionamento sobre como nos construímos e somos percebidos na cultura visual.
"Papoula" transcende a simples homenagem a Van Dongen. Alexandre Mury, ao empregar pintura corporal, fotografia e performance, cria uma obra que desafia a percepção, subverte normas e insere sua produção em um contínuo diálogo com a história da arte. A obra não apenas reflete sobre a tradição pictórica, mas também expande suas possibilidades, transformando o próprio corpo em um território de experimentação e crítica. Assim, "Papoula" se estabelece como uma peça fundamental na contemporaneidade, explorando as múltiplas camadas de identidade, ilusão e representação.
© Artists Rights Society (ARS), Nova York/ ADAGP, Paris
Kees van DongenLe Coquelicot (The Corn Poppy)1919Óleo sobre tela54,6 × 45,7 cmMuseum of Fine Arts, Houston
Kees van DongenLe Coquelicot (The Corn Poppy)1919Óleo sobre tela54,6 × 45,7 cmMuseum of Fine Arts, Houston
Com seu chapéu vermelho vibrante, que era popular na época; a maquiagem escura nos olhos, dando contornos misteriosos; a boca pequena, de lábios pronunciados no batom vermelho — tornam uma figura feminina definitiva do período “La Folle Époque” (anos loucos). Na década de 1920, eram conhecidas como as garçonnes na fraça; flappers, nos Estados Unidos; e melindrosas, no Brasil. Uma época de mais liberdade independência para as mulheres — elas eram fiéis a si mesmas.
Em 1917, Kees van Dongen, enquanto morava sozinho em Paris, iniciou um relacionamento com uma socialite casada, a diretora de moda Léa Alvin, também conhecida como Jasmy Jacob. Ela provou ser o canal entre van Dongen e as classes altas e, por meio de suas apresentações, surgiram inúmeras encomendas de retratos.
Kees van Dongen logo ganhou reputação por seus retratos sensuais. Quando alcançou a popularidade começou a pintar retratos das mulheres da alta sociedade. Algumas das obras mais famosas do pintor retratam celebridades da moda, incluindo a atriz francesa Brigitte Bardot. Àquelas que diziam «não estou parecida», respondia: Quando alguém se deixa pintar por um pintor célebre, só lhe resta uma hipótese: tornar-se parecida com o retrato.
O artista começou seus estudos na Academia Real de Belas Artes de Rotterdam, muda-se para Fraça em 1918. Van Dongen foi influenciado fortemente por seu envolvimento inicial com Henri Matisse e os Fauves. Seu estilo distinto de pintura também tem origem nos desenhos satíricos que fez para jornais no início de sua carreira. Van Dongen começou desenhando cenas de marinheiros e prostitutas. Ele ilustrou, em 1901, uma edição inteira de L'Assiette au beurre, uma revista que se dedicava à política e questões sociais, o tema de então era a prostituição sob a perspectiva das condições das prostitutas — a prostituição na Paris contemporânea como um fenômeno sintomático da degeneração da burguesia.
Still / Le Testament d'Orphée .1960
Jean CocteauO Testamento de Orfeu (Le Testament d'Orphée)1960Filme em preto e branco com alguns segundos de filme colorido emendados. Terceira parte da séries de filmes: Trilogia ÓrficaFantasia/Drama 1h 19m ______________
Jean CocteauO Testamento de Orfeu (Le Testament d'Orphée)1960Filme em preto e branco com alguns segundos de filme colorido emendados. Terceira parte da séries de filmes: Trilogia ÓrficaFantasia/Drama 1h 19m ______________
O olhar dos personagens de Jean Cocteau com olhos pintados, que parecem estar sempre olhando para um objeto desconhecido, que nunca piscam, mas que, no entanto, parecem ver algo no vazio — Na trama que narra a morte e ressurreição do poeta, Le Testament d'Orphée (1960), Jean Cocteau interpreta a si mesmo, misturando sonho e realidade, passado, presente e futuro num mundo onde reina a estética. É considerada a parte final de uma trilogia, seguindo "Le sang d'un poète" (1930) e "Orphée" (1950).
Cocteau descreve Édipo e Orfeu como figuras que assombram sua criação, das quais ele não pode escapar. Édipo é, em certo sentido, o duplo de Orfeu. Na filmografia de Cocteau, o uso de olhos artificiais representa o olhar interior, morte e transcendência — suas pálpebras fechadas com os olhos pintados também são uma metáfora da repressão dos desejos íntimos.
Apontando a câmera para uma direção enquanto tirava a foto na outra
— Strand executou uma série de retratos de rua espontâneos com uma câmera manual equipada com uma lente falsa.
Paul StrandCega1916 Impressão em platina34 x 25,7 cmColeção de Alfred Stieglitz, 1933
Amedeo MidiglianiRetrato de Léopold Survage1918Óleo sobre tela61.5 x 46 cmAteneum Art Museum, Helsinque, Finlândia
"Quando eu conhecer sua alma, pintarei seus olhos” são as palavras mais citadas de Amedeo Modigliani , que ficaram famosas por um filme biográfico com Andy Garcia.
Léopold Survage perguntou, ao ver o retrato que Modigliani acabara de fazer dele:
“Por que você só me deu um olho?”
Modigliano respondeu:
“Porque olhamos o mundo com um olho e com o outro, olhamos para dentro de nós mesmos. "
Em outra ocasião Modigliani dirá:
"Olhos sem pupilas, na minha opinião, não tiram a alma de seus donos. No entanto, eles os tornam menos acessíveis para nós e mais afundados em seu próprio mundo interior."
© Archivio Penone / Adagp, Paris, 2022
Giuseppe PenoneInvertendo o olhar (Rovesciare i propri occhi)1970Fotocolagem de impressões em preto e branco, gelatina prata tingida com selênio sobre papel barita 20 x 27 cmColeção particular
Giuseppe PenoneInvertendo o olhar (Rovesciare i propri occhi)1970Fotocolagem de impressões em preto e branco, gelatina prata tingida com selênio sobre papel barita 20 x 27 cmColeção particular
No início dos anos 1970, Giuseppe Penone usou seu corpo como tema principal. Em 'Rovesciare i propri occhi' (Inverter os olhos), o jovem artista italiano usa lentes de contato espelhadas, feitas sob medida, tornando-o cego e oferecendo ao observador a sua visão. As superfícies sensíveis da córnea deixam de ser “ janelas da alma ” para se tornarem telas convexas para o ver-se a si mesmo no outro.
All M.C. Escher works © Cordon Art BV - Baarn - the Netherlands.
M.C. EscherEye31.9 x 31.7 cmImpressão mezzotint1946Cordon Art-Baarn, the Netherlands
M.C. EscherEye31.9 x 31.7 cmImpressão mezzotint1946Cordon Art-Baarn, the Netherlands
Quando Escher desenhou o esboço para esta obra, ele criou olhando para ele mesmo em um reflexo. Sentiu que era necessário e lógico transmitir alguém, um observador refletido no espelho convexo do olho, e então decidiu desenhar uma caveira também. Explicou: “todos nós somos confrontados com a morte, gostemos ou não”.
'Olho' é uma obra de arte única cujo jogo de luz e sombra, perspectiva e forma, convida o espectador a contemplar os mistérios do olho humano como uma janela para a alma. Nesta obra, Escher mostra o domínio da técnica e seu interesse pela ilusão e percepção de ótica. Escher contribuiu para o desenvolvimento do surrealismo e do expressionismo, e é mais conhecido por seu trabalho pioneiro no cubismo e por fraturar o plano bidimensional da imagem.
© 2023 C. Herscovici, Brussels / Artists Rights Society (ARS), New York
René Magritte O Falso Espelho1928Óleo sobre tela54 x 80,9 cmMoMA
René Magritte O Falso Espelho1928Óleo sobre tela54 x 80,9 cmMoMA
O céu parece visto através de uma janela circular, em vez de espelhado na superfície líquida esférica de um olho, não apresenta nenhum traço de convexidade. O fotógrafo surrealista Man Ray já foi dono de 'O Falso Espelho', que ele descreveu de forma memorável como uma pintura que “vê tanto quanto ela mesma é vista”.
© Man Ray Trust / Adagp, Paris
Man RayLe Marquise Casati1922Gelatina de brometo de prata em suporte flexível de nitrato de celulose23,5 x 17,5 cmCentre Pompidou
Man RayLe Marquise Casati1922Gelatina de brometo de prata em suporte flexível de nitrato de celulose23,5 x 17,5 cmCentre Pompidou
A apropriação do borrão e do desfoque acidental na fotografia pelos artistas do século XX permitiu a liberdade de explorar novas formas de representação visual. Man Ray adicionava um elemento de imprevisibilidade e transformava as imagens em algo mais surreal. Ele busca ir além dos limites tradicionais da fotografia, explorando técnicas como a solarização, queima, dupla exposição e sobreposição para criar efeitos visuais únicos e incomuns.
A Marquesa Casati, conhecida por sua exuberância e extravagância, foi uma musa e mecenas que atraiu a atenção de diversos artistas, incluindo Man Ray. Ela era uma figura marcante do início do século XX e foi imortalizada em retratos feitos por vários pintores, assim como em fotografias de Man Ray.
A Marquesa Casati era famosa por suas festas e seu estilo de vida luxuoso, que atraíam aristocratas, intelectuais, poetas e artistas. No entanto, sua vida extravagante e as dívidas acumuladas levaram à sua ruína, e ela morreu na miséria em 1957.
金巻 芳俊 Yoshitoshi KanemakiSwing Individual２０１６Pintura em madeira15,5 × 9 × 9 cmColeção particular
Francis PicabiaDuas cabeças1935.Óleo sobre tela81 x 64,8 cmColeção particular
Em 1925, Francis Picabia estabeleceu residência na Côte d'Azur, mais especificamente em Mougins, próximo a Cannes. Essa mudança ocorreu devido ao seu descontentamento com o ambiente artístico de Paris. Durante esse período, ele desenvolveu um novo estilo pictórico que ele mesmo definiu como "monstros e transparências". Mais tarde, Picabia retornou ao surrealismo.
As obras dadaístas de Picabia e seu fascínio pela transparência e opacidade influenciaram suas estratégias de pintura nas décadas de 1920 e 1930. Ele utilizou técnicas de camadas, mascaramento e sobreposição, buscando inspiração em fenômenos naturais, afrescos românicos, pintura renascentista e arte catalã. Na série chamada de "Transparências" Picabia complexifica a concepção de arte como uma janela ou reflexo direto do mundo. Em vez disso, ele procurou criar uma interação surreal de imagens que desafiasse as interpretações tradicionais e imediatas.
Nesta obra são duas fotografias sobrepostas, onde o assunto é o artista surrealista, Max Ernst. Ao combinar um retrato com a imagem de uma parede corroída, Sommer gerou imagens reais para criar uma que não existe na realidade. Sommer explorou os limites da abstração e da representação, assim como se desafiou por meio de exercícios formais na relação de cores, linhas e espaço compositivo.
No variado corpo de trabalho de Frederick Sommer fica demonstrada a influência de suas amizades com outros artistas. Sua amizade com Max Ernst, cujas técnicas de pintura automática e imagens misteriosas encorajaram Sommer a reconfigurar objetos familiares em novas e estranhas criações. Sua abordagem inclue a influência de Man Ray ao fotografar montagens e sua exploração da abstração
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí
Salvador DalíRosto de Mae West que pode ser usado como apartamento1934–35Guache com grafite sobre página de revista impressa28,3 × 17,8 cmArt Institute of Chicago
Salvador DalíRosto de Mae West que pode ser usado como apartamento1934–35Guache com grafite sobre página de revista impressa28,3 × 17,8 cmArt Institute of Chicago
Tomando como base uma página de revista, Dali fez uma extravagante intervenção com lápis, guache e colagem. Esta é uma representação da atriz, dramaturga e cantora americana, Mae West, uma controversa diva e "sex symbol" da época. A obra de Dalí confunde um rosto com o interior de uma sala e seus móveis: seu nariz se torna a lareira, seus lábios o sofá, seus olhos um par de pinturas na parede e seus cabelos as cortinas.
Edward James, um poeta britânico e patrono da arte surrealista, encomendou os primeiros sofás Mae West, que desde então foram copiados, modificados, revisitados, reproduzidos e vendidos sob diferentes nomes por vários fabricantes de móveis e designers.
Produzido pelo poeta e colecionador Edward James e por Dali em 1938, a sala composta por 2 quadros do artista, uma lareira e o sofá - olhos, nariz e boca - é uma reprodução da obra de Salvador Dali. O mobiliário está exposto no Dali Museum.
Norman ParkinsonHomenagem a 'Le Coquelicot' de Kees van DongenModelo Adele CollinsPublicada na Vogue britânica em novembro de 1959C-Type Print40,64 x 50,8 cm; 50,8 x 60,96 cm e 76,2 x 101,6 cmColeção particular
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