Netuno | 2010

Detalhes / OBRA DE ARTE


Título: Netuno

Criador: Alexandre Mury

Data de criação: 2010

Tipo: fotografia

Meio: C-print (impressão cromogênica)


Período da Arte: Contemporâneo

Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática

Assunto: autorretrato, piscina de plástico, água, figura mitológica, Netuno, fantasia carnavalesca, "Di sotto in sù"

Obras Relacionadas: “Juízo Final”, de Michelangelo; "Vênus", de Lucas Cranach, o Velho; "Cristo della Minerva", de Michelangelo

Artistas Relacionados: Michelangelo, Lucas Cranach, Caravaggio,


Palavras-chave

#mitologiagrega #releitura #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #historiadaarte #artebrasileira


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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Fotografia Autorretrato performático


Um detalhe do “Juízo Final” de Michelangelo com o 'braghettoni' pintado por Daniele da Volterra.

Um detalhe do “Juízo Final” de Michelangelo com o 'braghettoni' pintado por Daniele da Volterra.


Michelangelo BuonarrotiJuízo Final (detalhe)1536-1541AfrescoTécnica afrescoCapela Sistina Vaticano

Esta figura está no centro esquerdo da composição.Veja a imagem completa da cena.

Volterra ficou conhecido por ter coberto os órgãos genitais dos afrescos do Juízo Final na Capela Sistina em 1565. O que o fez ganhar o apelido de "Il Braghettone" algo traduzido como: “o veste as calças”.


A maioria das genitálias expostas foram cobertas após a morte de Michelangelo (1564), quando o Concílio de Trento condenou a nudez na arte sacra. A intervenção do artista toscano foi discreta, Volterra limitou-se a cobrir a nudez de algumas figuras com panos esvoaçantes, utilizando a técnica da têmpera seca.


O afresco foi restaurado junto com a abóbada da Capela Sistina entre os anos de 1980 e 1994. Durante o curso da restauração, foram removidas muitas censuras, expondo muitos detalhes da arte original de Michelangelo.


O cardeal Alessandro Farnese, com medo de que o original fosse destruído, contratou Marcello Venusti para pintar uma cópia do Juízo Final de Michelangelo em 1549. Esta pintura a têmpera em madeira é agora nosso único guia para a aparência da obra de Michelangelo. como antes de ser censurado.

detalhe da cópia  de O Juízo Final (depois de Michelangelo) 1549, por Marcello Venusti
Museo Nazionale di Capodimonte


Marcello Venusti Detalhe : O Juízo Final (depois de Michelangelo)1549Óleo sobre painel190 × 145 cmMuseo Nazionale di Capodimonte, Nápoles
Marcello Venusti  O Juízo Final (depois de Michelangelo) 1549 Óleo sobre painel 190 × 145 cm Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles
Museo Nazionale di Capodimonte

Marcello Venusti Imagem completa : O Juízo Final (depois de Michelangelo)1549Óleo sobre painel190 × 145 cmMuseo Nazionale di Capodimonte, Nápoles

A figura segura um véu transparente, que cai sobre seu braço direito e cobre sua região genital. No entanto, o véu é tão transparente que não esconde sua intimidade.

Lucas Cranach, que tratou do assunto diversas vezes, cada uma ligeiramente diferente da outra, tantas pinturas que a personagem finge cobrir suas partes íntimas com um véu transparente.


Cranach usa o tema da imagem meramente como um álibi para legitimar uma imagem erótica de nudez. Os prazeres sensuais voyeurísticos de muitas de suas obras são para satisfazer as demandas de seus patronos.


Representações de Lucretia, que era vista como a incorporação da virtude feminina, castidade, fidelidade e honra — gozavam de grande popularidade, principalmente no século XVI. Lucas Cranach, também fez inúmeras variações dessa representação.


Lucretia viveu no século VI aC era casada e foi estuprada pelo filho do rei romano - Sextus Tarquinius. Ela fez seu pai e seu marido jurarem vingança e então cometeu suicídio. O evento levou a uma revolta na qual a família real foi derrubada e o Império Romano se tornou uma República.




Michelangelo BuonarrotiCristo della Minerva, Cristo da Cruz, Cristo Redentor1519-1521Mármore205 cmBasílica de Santa Maria Sopra Minerva em Roma

Cristo foi Deus feito homem — A nudez de Cristo foi uma demonstração clara de sua humanidade.


Michelangelo Buonarroti queria representar todo vigor de Jesus Cristo ressuscitado por meio de uma contundente representação anatômica.


Durante o período Barroco a obra foi considerada ofensiva, e o sexo foi oculto por um manto de bronze, como se encontra até hoje.

 pintura de teto feita por Caravaggio. A obra retrata os deuses romanos Júpiter, com sua icônica águia; Plutão, com seu cão de três cabeças, Cerberus; e Poseidon com seu hipocampo, cavalo-marinho.


CaravaggioJúpiter, Netuno e Plutão1597óleo sobre teto de gesso300 cm × 180 cmVila Ludovisi, Roma

Plutão, o deus do submundo, com seus órgãos genitais à vista, bem destacado, segura um bidente — que é um garfo ou forcado que se assemelha a uma lança, com 2 pontas. Da mesma forma, o Tridente, que aí está ausente, e que os diferncia é um atributo de Poseidon, senhor guardião e protetor dos mares.


Esta é a única pintura de teto que o mestre italiano Caravaggio fez. A obra retrata os deuses romanos Júpiter, com sua icônica águia; Plutão, com seu cão de três cabeças, Cerberus; e Poseidon com seu hipocampo, cavalo-marinho. Para construir este ponto de vista particular (dando a sensação de estar abaixo das divindades) Caravaggio usou um grande espelho — Diz-se que a imagem dos três deuses são baseadas nele mesmo.


"Di sotto in sù" é um tipo de ilusão de ótica utilizado geralmente no teto e significa "visto de baixo para cima", em italiano. O "trompe-l'oeil", neste caso gera a impressão de corpos e formas vislumbrados diretamente de baixo. O fascínio renascentista pela ilusão tridimensional relacionada na arquitetura, seguiu na tradição barroca e rococó.

escultura de mármore criada por Giuseppe Sanmartino, “Cristo velado” , de 1753


Giuseppe Sanmartino“Cristo velado” 1753mármore 50x80x180cmCapela Sansevero de Nápoles, Itália

A estátua em monolito de mármore esculpido em tamanho natural, representa Jesus Cristo morto, recostado e recoberto por um véu que adere à forma de seu corpo. O escultor foi capaz de transmitir os sofrimentos que Cristo havia vivido durante os momentos prévios à crucificação.

Cópia romana de escultura original grega, de Kallimachos  Aphrodite Genetrix



Autor desconhecidoCópia romana de original grego, de Kallimachos Aphrodite Genetrix Musei Capitolini, sede della Centrale Montemartini

O escultor ateniense Kallímachos (Καλλίμαχος), criou em 420-410 a.C., uma escultura de bronze da deusa Vênus, que mostrava-a no traje transparente e aderente ao corpo, esculpido cuidadosamente para não esconder o contorno feminino. Do original, agora perdido são derivadas todas as cópias sobreviventes.


Afrodite, a deusa do sexo e do amor sexual, foi representada na antiguidade desde completamente vestida, em várias vestimentas, até completamente nua no período helenístico. A maneira como ela se veste nesta estátua, com tecido justo ao corpo, enfatiza especialmente a genitália e um seio descoberto.


A melhor cópia existente do original grego, encontrada no Forum Julii em Frejus, em 1650, está exposta no Museu do Louvre em Paris.

estátua da deusa Afrodite Nápoles Frejus
© 2005 Museu do Louvre / Daniel Lebée/Carine Deambrosis


Autor desconhecidoCópia romana de original grego, de Kallimachos Afrodite Nápoles Fréjus (ou Vênus Genitrix)Talvez - 1665 Mármore164cm x 73cm x 50cmLouvre
escultura The Motya Charioteer em três ângulos de visão, costas, frente e de lado.

© Fondazione Whitaker


Feito por um escultor grego na SicíliaEncontrado em 1979 na ilha siciliana de Motya (Mozia)Jovem de Mozia470–460 aCMármore181 cm × 40 cmMuseu Giuseppe Whitaker, Mozia

O Jovem de Mozia é um dos melhores exemplos sobreviventes de uma escultura clássica. A estátua conhecida por seus notáveis ​​toques de realismo, como a forma que os dedos da mão esquerda pressionam o quadril e puxam o tecido fino. A musculatura, genitais e nádegas da figura são notadamente voluptuosas e salientes; o escultor conseguiu criar a ilusão de que suas protuberâncias são vistas através do tecido transparente do chiton.


A nudez masculina é um padrão na escultura grega. O desafio de mostrar o corpo através e por dentro da roupa costuma ser reservado à imageria feminina. O conceito grego de nudez, em particular para os homens, tinha mais a ver com a glande exposta, mostrá-la era considerado obsceno. Quando os atletas da Antiga Grécia praticavam desportos despidos, usavam uma tira de couro bem fina, que amarravam no prepúcio, chamada cinodesma (em grego κυνοδέσμη).


Entre tantas hipóteses, a estátua do "Jovem de Mozia" poderia ser uma representação do deus fenício-púnico Melkart, sincretizado no panteão greco-romano como Hércules. A adoração de Hercules não é atestada em Chipre antes dos períodos helenísticos e, de fato, essa imagem é usada em contextos onde Apolo é atestado epigraficamente.


escultura do torso de jovem grego com a vestimenta chamada exomis
Museumslandschaft Hessen Kassel

Autor grego desconhecidoHomem em Exomis430-420 aCMármore120cm Museumslandschaft Hessen Kassel


O torso forte, mas não excessivamente atlético, é vestido com um exomis fino e finamente plissado que chega quase aos joelhos. A roupa justa permite que as formas do corpo e o pênis infibulado sobressaem. A vestimenta é considerada uma roupa funcional para trabalhadores e combatentes e é usado por homens e deuses.

Estátua votiva de Melqart de Gades ( Cádiz , Espanha), século VII aC. (Museu Arqueológico, Sevilha). Melquart era um deus fenício e deus padroeiro da cidade de Tiro.


Autor DesconhecidoMelqart (Melkart) de CádizSéculo VII aC.Estátua votiva de BronzeMuseo de Sevilla Archaelogical, España

A pequena estátua do deus fenício Melkart com uma pele de leão cobrindo várias partes de seu corpo, especialmente a cabeça e a área das costas, tem mais semelhanças com as representações gregas dos deuses do que com as formas dos povos fenícios.


Melquart era padroeiro da cidade de Tiro, era venerado nas culturas fenícia e púnica, da Síria à Espanha. Esta estatueta de bronze foi encontrada, na ilha de Sancti Petri, Andaluzia. A partir deste local que ele foi posteriormente associado a Hércules.

estátua da divindade Melqart encontrada em Idalion


Autor desconhecidoMelqart de Idalionca. 500 aC–ca. 300 aCCalcário56 cmLouvre

O torso representa um homem jovem imberbe usando um chiton curto, coberto com pele de leão, que é puxado sobre a cabeça e amarrado na frente do peito Com base em peças semelhantes, os traços iconográficos poderiam facilmente evocar a figura de Hércules, mas na arte da época, o herói quase sempre é barbudo.


Ele também poderia ser identificado com Apolo. A contaminação religiosa e a coexistência pacífica das culturas fenícia e grega foi uma das características fundamentais da história do antigo Chipre.

estátua em terracota, representado Apollo de Veios


Atribuído a VulcaApollo de Veios510-500 a.C.Terracotta policroma180 cmMuseo Etrusco di Villa Giulia

Esta representação de Apolo é uma das peças mais importantes e bem preservadas da arte etrusca. A estátua possui forte influência da arte escultórica grega, desde o drapeado das roupas, os cabelos trançados e o próprio sorriso arcaico.


Pela forma como a estátua está posicionada – em pleno movimento e vestida – a escultura assume uma aparência etrusca única. Foi criado no chamado estilo etrusco jônico "internacional" ou arcaico tardio.

Escultura indiana, estilo Kushãn, de Mathura, representando um Bodhisattava.
NGVWA National Gallery of Victoria


Autor desconhecidoBodhisattvaMathura, período Kushān, por volta do início do século II d.C.Arenito vermelho89 cmNGVWA National Gallery of Victoria
Carlton Rochell Asian Art

Autor desconhecidoMonumental Buda BodhisattvaÍndia, Uttar Pradesh, região de MathuraPeríodo do Imperador Kushan Huviska (106-140 d.C.), Huviska ano 28Arenito vermelho manchadoAltura 175,3 cmColeção Particular

A figura está vestida com um pano de cintura revelador (dhotī) que tem o efeito de tecido molhado e é visível apenas no contorno gracioso da bainha, onde se junta em dobras entre as pernas. As coxas e os órgãos genitais são claramente definidos sob a cortina.


A escultura produzida em Mathura, no norte da Índia, durante o período Kushān, do século I ao III dC , marcou uma fase importante no desenvolvimento da arte budista. Houve uma mudança do relevo arquitetônico em favor da estátua independente.


Mathura estava estrategicamente localizada nas antigas rotas comerciais e tinha um comércio ativo com o porto que tinha ligações com o Mediterrâneo romano. 5O período, do século I ao III dC, foi caracterizado pela interação com os mundos iraniano e romano e uma abordagem sincrética da religião.


No Budismo, um Bodhisattva, é um ser iluminado (bodhi), pessoa que, movida por grande compaixão, gerou bodhicitta, que é o desejo espontâneo de atingir o mesmo status de Buda para o benefício de todos os seres sencientes. A construção de imagens era vista como um ato meritório, cujos benefícios espirituais podiam ser compartilhados com outros.


O estilo da arte Kushān integrou com sucesso as imagens herdadas da arte indiana primitiva, reinterpretando-a com uma expressividade que reverberou na arte Gupta.


pitura de John William Godward, Athenais de vestido transparente vermelho.



John William GodwardAthenais1909Óleo sobre tela101 x 61 cmColeção Particular

John William Godward, do neoclássico vitoriano, é conhecido por suas representações de temas extraídos da antiga vida grega e romana, em sua grande maioria, retratando mulheres posando estáticas, algumas semi-nuas ou totalmente nuas, quase sempre sozinhas.


Godward foi aluno de Sir Lawrence Alma-Tadema, se interessa por aqueologia, inspirado pelo passado, estudou com afinco arquitetura, vestimentas, além das poses elaboradas e expressões — o trato meticuloso dos detalhes, transmite com maestria a sensação de texturas contrastantes, carne, mármore, pele e tecidos.

Obra de arte, fotografia de Jan Saudek, a imagem surreal de um falso reflexo entre dois corpos, masculino e feminino.
© Jan Saudek | Photography by Kelly Barrie, Panic Studio LA

Jan Saudek Fire and Rain1976Gelatina de prata, e colorida à mão58.4 x 48.3 cm USC Fisher Museum of Art, Los Angeles

Jan Saudek usa a referência visual da escultura greco-romana — dois corpos, masculino e feminino, cobertos pelo tecido molhado; os corpos insinuam o reflexo um do outro à partir dos joelhos as duas figuras, justapostas, exibem suas diferenças e semelhanças.


Representando forças opostas da natureza, fogo e água, o masculino e o feminino — Saudek frequentemente abordam temas de luta de sexos. As figuras estão simultaneamente em desacordo e interconectadas.