Cristo Redentor | 2010
Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: Cristo Redentor
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2010
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: autorretrato, releitura, monumento, estátua, Cristo Redentor, estátua viva,
Obras Relacionadas: Cristo Redentor, 1920, Paul Landowski e Carlos Oswald
Artistas Relacionados: Paul Landowski e Carlos Oswald
⚿ Palavras-chave
#releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
Ao substituir o pedestal grandioso do Cristo Redentor por um humilde banquinho de plástico, Mury aproxima o monumento da realidade cotidiana das classes populares brasileiras, mas também da humildade de Jesus de Nazaré. Essa escolha subverte a representação tradicional do Cristo como símbolo de fé e redenção, convidando o público a questionar as relações entre arte, religião, poder e desigualdade social.
Mury se apropria da figura do Cristo Redentor, mas o coloca em um contexto inusitado e provocador, abrindo espaço para novas interpretações. Longe de ser uma crítica à religião ou à cultura brasileira, "Cristo Redentor" é uma obra multifacetada que convida o público a uma reflexão crítica sobre a identidade brasileira, o símbolo carioca e a cultura universal. No contexto narrativo bíblico, a figura humanizada imperiosa e gloriosa do Cristo Redentor, em outro momento, é o humilde Jesus de Nazaré.
Ao usar o banquinho de plástico, Mury incorpora o Cristo à cultura popular urbana e suburbana, reconhecida por sua informalidade e improvisação. Mas também pode estar remetendo às dificuldades e precariadade dos anônimos artistas de rua que se apresentam como estátuas vivas em seus banquinhos ou caixotes em muitas cidades pelo mundo. Mas a obra também dialoga com a história da arte, fazendo referência à famosa performance "The Singing Sculpture" de Gilbert and George. Mury convida o público a refletir sobre a natureza da representação artística. A obra transcende os limites da fotografia, incorporando elementos da performance, da escultura e da apropriação de imagens.
Essa apropriação pode ser vista como questionadora da mercantilização da imagem do monumento e a sua utilização como símbolo de poder e status. A imagem amplamente difundida daquele que é considerado como o rei dos reis, o Jesus Cristo ressuscitado, redimindo os pecados da humanidade, é recontextualizada em um objeto prosaico, convidando o público a refletir sobre as complexidades da identidade, carioca e brasileira em um contexto globalizado.
Cristo Redentor
Criadores:
Paul Landowski e Carlos Oswald
Estátua:
Estilo Art Deco
Altura:
30 metros e 38 metros com o pedestal m
Material:
Concreto armado revestido por pedra-sabão
Período de construção:
1920
Inauguração:
12 de outubro de 1931 (91 anos)
Patrimônio:
Registrado pelo Inventário de Monumentos RJ
Coordenadas:
22° 57′ 07″ S, 43° 12′ 38″
Gilbert and GeorgeThe Singing Sculpture1970PerformanceFotografia: Chris Morphet/Redferns
Estátua viva ou estátua humana é um tipo de espetáculo comum em locais públicos realizado por artistas de rua, imitando uma estátua com movimentos estáticos.
Os artistas britânicos, Gilbert & George entre 1969 e 1991, realizaram a perfomance artística chamada "Singing Sculpture" na qual eles aparecem para cantar e dançar uma canção dos anos 1930, Underneath the Arches. É uma canção sobre dois vagabundos que falam sobre os prazeres de dormir na rua.
A dupla de artistas tornaram-se não apenas criadores, mas a própria arte. As Esculturas Cantantes — esculturas vivas com os rostos e mãos pintados com pó metalizado multicolorido executam uma série de movimentos mecânicos que evocam o ritmo sincopado dos autômatos.
Gilbert Proesch (n.1943) e George Passmore (n.1942) recusam a dissociar arte de suas vidas cotidianas, insistindo que tudo o que fazem é arte. Há décadas eles moram juntos, usam ternos de tweed idênticos e fazem arte juntos como uma dupla colaborativa — se consideram uma identidade artística.
Bruce McLean"Pose Piece for Three Plinths"1971Fotografias em preto e branco, montadas em cartãoCada fotografia 10 × 15,5 cmCollection Postcard Bruce McLeanThe Roberts Institute of Art
A performance "Pose Piece for Three Plinths" de Bruce McLean é frequentemente descrita como um comentário irônico e bem-humorado sobre a "pomposa monumentalidade" das grandes esculturas reclinadas de Henry Moore baseadas em pedestais.
Ao usar seu próprio corpo como material, McLean subverte a ideia tradicional de escultura como um objeto fixo e inerte. A performance de McLean desafia a grandiosidade das esculturas de Moore ao apresentar o corpo humano nu e vulnerável em poses banais sobre pedestais.
A performance de McLean só pode ser compreendida em sua totalidade se o espectador estiver familiarizado com as obras de Henry Moore e com os conceitos do conceitualismo. O corpo do artista se torna um meio para expressar essa ideia, e não apenas um objeto para ser admirado por sua beleza formal. Isso serve para questionar a seriedade do mundo da arte e para abrir espaço para interpretações mais pessoais e subjetivas da arte.
Beecroft se inspira, frequentemente, em toda a história da arte, da antiguidade à modernidade. Os quadros vivos em grande escala de Beecroft, elegantemente fotografados para a posteridade, exploram a imagem corporal, a feminilidade e a relação dependente do contexto entre o espectador e o observado. As peças performáticas nas quais a imobilidade desempenha um papel predominante, o todo é concebido para confrontar a realidade com a sua representação, tornando-se sujeitos e objetos, estáticos poderosos.
Beecroft dispôs um grupo de nus femininos, mulheres reais e moldes de gesso. As modelos nuas relembravam as noções renascentistas, os moldes de gesso aludem à tradição das esculturas funerárias. Os corpos das modelos vivas estavam inteiramente cobertos de pintura corporal branca, os cabelos presos e pintados também; misturaram-se entre as esculturas de gesso.
As apresentações de Vanessa Beecroft duram várias horas, durante as quais as modelos não são obrigadas a ficar completamente imóveis, mas devem evitar todo contato visual e permanecer distantes. Elas nunca devem falar e devem manter as posições designadas o maior tempo possível, após o que podem trocar de pose, nem muito rápido, nem muito lento, seus movimentos são controlados e não devem ser sincronizados. Nestas performances predominam a quietude e o silêncio, criando o efeito de uma pintura.
Olga Desmond nua com drapeado e pedestal.Sem data, provavelmente por volta de 1908, quando Desmond apareceu em São Petersburgo.Antigo cartão postal russo, 14 x 9cm
Olga Desmond, prussiana-alemã (1890–1964), foi uma dançarina, professora e teórica da dança que, em 1906, se junta a um grupo de artistas e aparece como Vênus, posando nua ou apenas com pintura corporal como se fosse escultura de mármore — estátua viva.
Olga Desmond posou à maneira de antigas obras de arte clássicas — defendia a comparação com o ideal grego de beleza. Seus espetáculos foram proibidas em mais de uma ocasião a partir de 1908, porque Desmond e os atores geralmente posavam nus ou usando apenas pintura corporal.
Uma referência ao cinema surrealista exibe imagens marcantes de uma mulher que se transforma em estátua.
Jean Cocteau foi um dos artistas mais completo do século XX. Expressou-se em todas as mídias: poesia, teatro, música, romance, fotografia, escultura, desenho, pintura e cinema.
The DreamersDirigido por Bernardo Bertolucci2003Eva Green como Vênus de Milo
Com os braços cobertos por longas luvas pretas que se misturam à escuridão de um cômodo escuro da casa, quando adentra o recinto iluminado, Isabelle, personagem interpretada por Eva Green, ecoa a Vênus de Milo.
“Sempre quis fazer amor com a Vênus de Milo”, sussurra Matthew assim que percebe a presença de Isabelle. A garota se aproxima e Matthew começa a fazer sexo oral nela. “Eu não posso te impedir,” Isabelle diz. "Eu não tenho braços."
CRISTO Redentor. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira. São Paulo: Itaú Cultural, 2024. Disponível em: http://enciclopedia.itaucultural.org.br/obra72988/cristo-redentor. Acesso em: 02 de março de 2024. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
A Enciclopédia Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileira é uma obra de referência virtual que reúne informações sobre arte e cultura brasileira. Os verbetes presentes na Enciclopédia são disponibilizados gratuitamente ao público, de forma abrangente e dinâmica. O conteúdo das bases de dados está em contínua ampliação e atualização.
Assim como um banquinho é um pedestal para a obra e é, ele mesmo, em si, parte da obra, a inusitada obra de arte resultante de uma combinação de objetos encontrados chama mais atenção para a roda que faz desta escultura uma obra cinética. A obra funde dois objetos úteis diferentes, mas, ao fazê-lo, despoja ambos de sua função original. Não podemos mais andar de bicicleta ou sentar no banquinho, então os objetos são totalmente reinventados.
Duchamp desafia a noção de habilidade manual e originalidade na produção artística, enfatizando a importância do conceito por trás da obra. Duchamp sugeriu que, para criar um readymade, era preciso ter um “gosto indiferente”, no qual se pudesse deixar de lado os critérios normais de beleza e tentar interagir com o objeto de uma forma radicalmente nova. Ao divorciar a arte do gosto pessoal ou subjetivo, Duchamp abriu caminho para a Arte Conceitual, na qual as ideias tinham precedência sobre a estética final da peça.
"Uma e Três Cadeiras" de Kosuth, de 1965, faz parte do movimento da arte conceitual. Nesta obra, Kosuth apresenta uma cadeira real, uma fotografia da mesma cadeira e uma definição de "cadeira" em texto. Ele está interessado em explorar a natureza da representação e da linguagem, questionando se a representação é capaz de capturar a essência do objeto e se a linguagem pode realmente definir a realidade.
"Uma e Três Cadeiras" nega a distinção hierárquica entre um objeto e uma representação, assim como implica que uma obra de arte conceitual pode ser objeto ou representação em suas diversas formas. Este trabalho remonta e amplia o tipo de investigação sobre a suposta prioridade do objeto sobre a representação que havia sido proposta anteriormente pelo surrealista René Magritte em sua obra "Treachery of Images" (1928-9), com a imagem de um cachimbo sobre a inscrição "Ceci n'est pas un pipe" (Isto não é um cachimbo).
O ensaio fotográfico feito para promover o clipe da música "Girl From Rio", da cantora brasileira, Anitta, teve como proposta criar uma identificação, com peculiaridades cariocas, ao destacar um transporte coletivo, bastante comum no Rio de Janeiro. Assim como a cadeira empilhável feita de monobloco de plástico, com sua simplicidade e ubiquidade, se tornou um símbolo intrigante da interseção entre design, economia, cultura e identidade social.
A música em inglês é uma releitura da Garota de Ipanema de Vinícius de Moraes, mas com a proposta de revelar a mulher carioca e a realidade suburbana do Rio de Janeiro contemporâneo. A cantora em pé, alegoricamente, subverte a entronização das realezas, em cima da cadeira de plástico e na frente do ônibus, enaltecida como nos destaques do carnaval. Tal como uma divindade estática, ela dialoga explicitamente com a estética da representação do Cristo Redentor, abordando a iconografia da cultura popular do Rio de Janeiro, presente no trabalho de releitura de Alexandre Mury.
