Arranjo em cinza | 2014
Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: Arranjo em cinza
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2014
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: fotografia de autorretrato, releitura, dramatização, monocromia, cor cinza
Obras Relacionadas: "Arrangement in Grey and Black No. 1, Títulos alternativos: Portrait of the Artist's Mother; Whistler's Mother, by James McNeill Whistler
Artistas Relacionados: James McNeill Whistler
⚿ Palavras-chave
#autorretrato #releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira #monocromático #cinza
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
James McNeill WhistlerArranjo em Cinza e Preto nº1Retrato da mãe do artista, Mãe de Whistler1871óleo sobre tela144,3 x 163,0 cmMusée d'Orsay
"Para mim é interessante como uma foto de minha mãe; mas o que pode ou deve o público se importar com a identidade do retrato?"
— James McNeill WhistlerWhistler chegou a Paris em 1855, lá estudou métodos de arte tradicionais por um curto período na Ecole Imperiale e no ateliê de Charles Gabriel Gleyre. Este último foi um grande defensor do trabalho de Ingres e impressionou Whistler com dois princípios que ele usou para o resto de sua carreira: a linha é mais importante que a cor e o preto é a cor fundamental da harmonia tonal. Vinte anos depois, os impressionistas baniram o preto e o marrom e enfatizando a cor sobre a forma.
Alfred Barr, diretor do Museu de Arte Moderna da cidade de Nova York de 1929 a 1943, descreveu "Arranjo em cinza e preto nº 1 (a mãe de Whistler) como um precursor da arte abstrata moderna. Em 1943, Barr escreveu que "sem Anna, a pintura é uma composição de retângulos [...] não muito diferente da abstrata 'Composição em branco, preto e vermelho' pintada por Piet Mondrian'”.
James Abbott McNeill WhistlerArranjo em cinza e preto, nº 2 Retrato de Thomas Carlyle1872–1873Óleo sobre tela171,1 x 143,5 cmKelvingrove Art Gallery and Museum
Em 1872, James McNeill Whistler iniciou um retrato em grande escala do historiador e filósofo escocês Thomas Carlyle, que morava perto do artista em Londres. A composição é muito semelhante ao retrato da mãe do artista.
Desde o início, o retrato da mãe de Whistler provocou reações variadas, incluindo paródias, do ridículo à reverência, que continuaram até hoje. As observações mais comuns são de "dignidade da velhice", "luto" ou um "símbolo perfeito da maternidade". A obra foi satirizado em infinitas variações, em revistas, em videos e atér personagens de desenhos animados como o Pato Donald e Os Simpsons.
A pintura escapou por pouco de ser queimada em um incêndio a bordo de um trem durante o transporte. Mais tarde, a pintura foi comprada pelo governo francês, a primeira obra de Whistler em uma coleção pública. Durante a Grande Depressão, a imagem foi anunciada como uma pintura de "milhões de dólares". Em reconhecimento público de seu status e popularidade, os Estados Unidos emitiram um selo postal em 1934 apresentando uma adaptação da pintura.
Gorky e sua mãe, Shushan Der Marderosian Adoian, Van, c. 1912.
Embora as obras de Gorky sejam muito diferentes em estilo e abordagem da pintura de Whistler, elas compartilham um tema comum de explorar a figura materna e a complexidade das relações familiares. A pintura reproduz a única foto da infância do artista tirada em 1912, em sua terra natal, a Armênia. Ele trabalhou na pintura por dez anos, mas a deixou "inacabada". Sua mãe morreu de fome em 1919, durante a campanha de genocídio turco otomano contra os armênios.
Por volta de 1926, Gorky começou uma primeira versão de O Artista e Sua Mãe . Concluído em 1936, está agora no Whitney Museum of American Art. Mais tarde, ele começou uma segunda versão. Ele trabalharia nesta tela, agora na coleção da National Gallery, de forma intermitente até pelo menos 1942.
Arshile GorkyO Artista e Sua Mãe1926–c. 1936Óleo sobre tela152,4 × 127,6 cmWhitney Museum of American Art, Nova York
Arshile GorkyO Artista e Sua Mãe1926–42 Óleo sobre tela152.3 x 127 cm National Gallery of Art, Washington DC
Gerhard RichterBomber1963Óleo sobre tela130,6 ×180,6 cmStädtische Galerie Wolfsburg
Sua pintura Bomber de 1963 deriva de uma fotografia de um ataque aéreo dos Aliados na Segunda Guerra Mundial - algo que Richter teria experimentado, quando jovem, na Alemanha devastada pela guerra. O Bombardeiro de Gerhard Richter é um de seus primeiros trabalhos reconhecidos e marca uma importante virada em sua carreira.
Na década de 1960, Richter criou pinturas usando apenas cinza. Ele reproduziu imagens extraídas de um vasto arquivo pessoal com recortes de jornais e revistas, fotos de filmes e instantâneos de familiares, animais ou paisagens. Na década de 70, Richter levou essa investigação do cinza ainda mais longe, com uma série de pinturas monocromáticas e não figurativas.
Gerhard RichterCinza (Gray)1972–1973Óleo sobre tela250,2 × 200 cm The Art Institute of Chicago
Gerhard RichterGray (Bark), Cinza (Casca)1973Óleo sobre tela90 × 65 cmThe Metropolitan Museum of Art
Frank StellaSem título1965Ttinta alquídica e PVA sobre tela160,0 x 320,5 x 7,7 cmArt Gallery of New South Wales (AGNSW)
Em 1964, Frank Stella, um dos artistas mais influentes do pós-guerra, declarou sobre suas pinturas: “O que você vê é o que você vê”. Ainda que o ímpeto de Stella fosse encontrar uma forma de arte abstrata que a retirasse de qualquer referência à história da arte e o lugar em que foi produzida, em 1965, estando nos Estados Unidos, o país estava caindo cada vez mais no caos da Guerra do Vietnã. Esta composição é carregada de um ritmo hipnótico que atrai o olhar do espectador em direção ao fundo de um túnel ao mesmo tempo que projeta o cume de uma pirâmide. A variação tonal, ao mesmo tempo empurra e puxa, recua e avança...
Nas décadas de 1950 e 60, suas primeiras pinturas foram determinadas por certos dados, como a largura da tela ou pincel; ele tinha um pincel de pintura de parede favorito de 2¾ polegadas de largura. Essa aptidão para a padronização rigorosa fala das raízes de Stella como pintor de casas: durante seus primeiros seis meses em Nova York em 1958, Stella se sustentou principalmente pintando apartamentos. Essa premissa de reduzir cada variável discreta da pintura a um ponto de clareza essencial pode ser considerada como o gatilho para o minimalismo americano. Stella é dos principais progenitores do minimalismo.
Jasper JohnsDuas bandeiras1959Acrílica sobre tela203,00 x 148,03 cmMuseum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (MUMOK)
As variadas pinturas de Bandeiras de Jasper Johns podem ser vistas como uma resposta aos eventos históricos da era McCarthy e do movimento pelos direitos civis. Pode ser uma referência autobiográfica; elas podem ser interpretadas como uma valorização à cultura nacionalista e ao fervor patriótico que prevaleceu durante a Guerra Fria, e ao mesmo tempo, uma crítica sutil a esses valores. Ao comprometer a coloração que esperamos de uma bandeira, Johns torna estranho algo familiar, demonstrando enfaticamente a fricção metafísica entre o que vemos e o que sabemos. Jhons acreditava que a ausência de cor tornava o trabalho mais físico, ele estava muito envolvido com a noção da pintura como objeto.
Quanto à cor cinza, a "cor favorita" de Johns, a mais ambivalente, é possível que ela tenha sido influenciada pela experiência de Johns na Guerra da Coreia, ele serviu ao exército entre 1951 e 1953. Jasper Johns foi um dos primeiros artistas a apresentar as dicotomias incorporadas no símbolo nacional. A cor cinza pode ser vista como uma referência à paisagem sombria e destruída da guerra, bem como ao cinza da camuflagem militar. Além disso, a escolha da cor cinza pode ser vista como uma referência à estética do minimalismo, que era popular na época em que Johns começou a criar sua arte.
Jasper JohnsBandeira1969Folhas de Chumbo43,18 × 58,42 cmNational Gallery of Art
Jasper JohnsEm memória dos meus sentimentos - Frank O'Hara1961Óleo sobre tela com objetos102,2 x 152,4 x 7,3 cmMuseum of Contemporary Art Chicago
Jasper JohnsBandeira, 1960–8732,385 x 48,417 cmColeção do artista
“Sim, o cinza tem sido importante para mim. Mas não costumo pensar nisso como algo separado do resto do meu trabalho.”
— Jasper Johns
O que Rothko trabalhou no estágio final de sua carreira com pinturas sombrias e deprimentes que contrastavam enormemente com o que havia acontecido antes. Este último período de sua carreira, chamado período "Black and Grey", foi dedicado à escuridão e às emoções que a acompanharam antes de cometer suicídio em 1970.
Ele viria a criar uma série de pinturas semelhantes entre os anos de 1969 e 1970. A cada interação iria experimentar o tom de cinza utilizado, ora mais claro, ora mais escuro. Ele também alteraria a quantidade de espaço dado a cada uma das duas cores, às vezes permitindo que uma dominasse mais a composição, outras vezes não.
Mark RothkoSem título1969-70Acrílica sobre tela198.1 x 168.2 cmMoMA
Mark RothkoSem título (preto sobre cinza)1969/70Acrílico sobre tela203,3 × 175,5 cmSolomon R. Guggenheim Museum, Nova York
Mark RothkoSem título (preto sobre cinza)1969–70Acrílica sobre tela203,3 x 175,5 cmSolomon R. Guggenheim Museum, , Nova York
