O Anjo do Lar | 2011
Detalhes / OBRA DE ARTE
Título: O Anjo do Lar
Criador: Alexandre Mury
Data de criação: 2011
Tipo: fotografia
Meio: C-print (impressão cromogênica)
Período da Arte: Contemporâneo
Movimento/Estilo: Arte Conceitual, Arte Performática
Assunto: autorretrato, releitura, sacolas de plástico, cores, linha do horizonte, externa, paisagem, parangolé
Obras Relacionadas: The Fireside Angel (The Triumph of Surrealism); L’ange du foyer (Le triomphe du surréalisme), 1937, Max Ernst
Artistas Relacionados: Max Ernst, Helio Oiticica
⚿ Palavras-chave
#releitura #tableauvivant #arteconceitual #arteperformatica #artecontemporanea #artebrasileira
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Procedência: Alexandre Mury Coleção Particular / Acervo Pessoal de Obras de Arte
Direitos: © Alexandre Mury
A obra O Anjo do Lar (2011), de Alexandre Mury, é uma fotografia performática que se destaca por sua abordagem conceitual e visualmente impactante. Nela, o artista apresenta-se com o corpo coberto por sacolas de plástico, criando uma imagem que suscita reflexões sobre consumo, identidade e a relação entre o ser humano e o meio ambiente. A obra integra a série de tableaux vivants de Mury, na qual ele reinterpreta obras canônicas da história da arte, incorporando elementos contemporâneos e críticos.
A composição da fotografia é marcada pelo uso de sacolas plásticas, que cobrem o corpo do artista de maneira quase escultórica. Esse recurso visual sugere uma leitura sobre o excesso de consumo e o impacto ambiental do plástico, material que se tornou onipresente no cotidiano moderno. As cores vibrantes das sacolas contrastam com a figura humana, gerando uma tensão entre o esteticamente atraente e o simbolicamente perturbador. A escolha de materiais banais e cotidianos, como sacolas plásticas, é uma característica recorrente no trabalho de Mury, que busca questionar o valor simbólico dos objetos e sua relação com a cultura de massa.
A obra estabelece um diálogo intertextual com The Fireside Angel (The Triumph of Surrealism), de Max Ernst, uma pintura que retrata uma figura alada e ameaçadora, símbolo do caos e da destruição. Mury, ao reinterpretar essa figura, transforma-a em uma metáfora do mundo contemporâneo, onde o plástico, material aparentemente inofensivo, torna-se uma presença sufocante e onipresente. As sacolas plásticas, em vez de asas, cobrem o corpo do artista, sugerindo uma crítica à sociedade de consumo e à degradação ambiental.
A performance de Mury em O Anjo do Lar também evoca a tradição dos parangolés de Hélio Oiticica, nos quais o espectador é convidado a interagir com a obra, vestindo-a e movimentando-se. No entanto, em vez de tecidos coloridos, Mury utiliza sacolas plásticas, reforçando a ideia de que o lixo e o descarte são elementos intrínsecos à realidade contemporânea. Essa releitura crítica e irônica é uma marca do artista, que constantemente desafia as convenções da arte e da sociedade.
Além disso, a obra reflete uma preocupação com a ressignificação de ícones culturais e históricos. Ao se apropriar da figura do "anjo", Mury a transforma em um símbolo ambíguo, que pode ser interpretado tanto como uma crítica ao consumismo quanto como uma metáfora da fragilidade humana diante das forças globais. A presença do corpo do artista, coberto e quase invisível sob as sacolas, reforça a ideia de que o indivíduo está subjugado por um sistema que o consome e o descarta.
Em síntese, O Anjo do Lar é uma obra que combina estética e crítica de forma potente. Através do uso de sacolas plásticas, Mury cria uma imagem que é ao mesmo tempo bela e perturbadora, convidando o espectador a refletir sobre questões urgentes como o consumo, a identidade e a sustentabilidade. A obra se insere em uma prática artística que une performance, fotografia e crítica social, oferecendo múltiplas camadas de interpretação e diálogo com a história da arte e a cultura contemporânea.
Max ErnstThe Fireside Angel (The Triumph of Surrealism)1937Óleo sobre tela114 x 146 cmColeção particular
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Max Ernst provoca seu público a questionar suas próprias crenças ao chamar tal figura de anjo. O título deste trabalho foi uma manobra direta para intrigar e envolver o espectador.
Ernst pintou O Anjo do Lar logo após a derrota dos republicanos espanhóis na Guerra Civil Espanhola. O objetivo de Ernst era retratar o caos que ele via se espalhar pela Europa e a ruína que o fascismo traz aos países.
Pintado em três variações, em 1937, em Paris. A obra foi renomeada pelo artista, em 1938, para O Triunfo do Surrealismo — uma referência e uma reação ao fato de que os surrealistas, com suas ideias comunistas, estiveram fragilizados diante do fascismo.
Ernst com suas imagens oníricas foi um dos primeiros artistas a aplicar as teorias dos sonhos de Sigmund Freud a fim de explorar a fonte de sua própria criatividade.
Max Ernst se esforçou para criar uma pintura sugestiva do caos que ele temia estar se espalhando pela Europa e denunciar a corrupção presente em governos controlados por militares. Mais tarde, o pesadelo que ele temia, após a Guerra Civil Espanhola, se torna realidade.
© VG Bild-Kunst, Bona 2016 Pinakotheken
Max ErnstO Anjo do Lar (Der Hausengel)1937Óleo sobre tela54 x 74 cmPinakotheken, Kunstareal, Munique, Alemanha
Max Ernst The House Angel1937, óleo sobre tela37,5 x 46 cmColeção particular
Max Ernst Os Bárbaros1937Óleo sobre papelão24,1 × 33 cmThe MET
Max ErnstBárbaros Marchando para o Oeste 1936/37Óleo sobre papel montado sobre cartão24 x 33 cmMuseum Berggruen Schloßstra
Paul KleeO Herói com a Asa da série Invenções (Inventionen)1905Decapagem e ponta seca25,4 x 15,9 cmMoMa
Paul Klee Greiser Phoenix 1905 Gravura 42 x 32cm Lenbachhaus und Kunstbau München
Paul Klee conheceu Kubin pessoalmente em 1901, quando ainda era um estudante de arte. A influência de Kubin em Klee pode ser observada em seus primeiros trabalhos, nos quais Klee também explorou temas sombrios, alegóricos e fantásticos. Durante esse período, Klee experimentou com técnicas de desenho e gravura, explorando os limites da realidade e criando uma atmosfera onírica semelhante à de Kubin.
Dois anos após o voo bem-sucedido dos irmãos Wright em 1903, Klee abordou o desejo humano de voar com um sarcasmo cético. Klee era fascinado pela ideia de voar e explorava simbolicamente esse conceito em suas obras. Suas primeiras impressões, incluindo as gravuras, revelam sua abordagem crítica e suas reflexões sobre temas sociais e humanos.
Paul Klee não foi aceito na Academia de Artes de Munique e ingressou em uma escola particular de pintura. Mais tarde, ele estudou com Franz von Stuck, mas isso não trouxe nenhuma mudança especial em sua vida. Ao mesmo tempo, o desejo pelas belas artes não diminuiu; ele se engajou em aprender de forma autodidata. No período de 1904 a 1905, Klee realizou uma dezena de gravuras feitas na técnica original de desenho com agulha sobre vidro, inventado por ele. Um ano depois, essas gravuras satíricas foram exibidas na Secessão de Munique, despercebidas pela crítica e pelo público.
Paul KleeNo camarote do teatro 1908Pintura em vidro reverso; quadro reconstruído 13 x 18 cmZentrum Paul Klee
Max Ernst mostrou interesse em práticas artísticas como a aquarela, que também foi explorada por Klee. Ambos os artistas valorizavam a liberdade expressiva e a experimentação técnica, o que pode ter contribuído para uma influência indireta de Klee. Ernst, por sua vez, desenvolveu seu próprio estilo surrealista distintivo, explorando técnicas como colagem, frottage (esfregação) e grattage (raspagem) em suas obras.
Embora não haja evidências diretas de uma relação próxima entre Klee e Ernst, a influência indireta de Klee sobre Ernst pode ser observada em algumas semelhanças estilísticas e temáticas. Ambos os artistas compartilhavam um interesse pela experimentação formal e uma tendência a combinar elementos diversos em suas obras. Eles também compartilhavam uma abordagem simbólica e misteriosa, evocando imagens e formas que transcendiam a realidade convencional.
Obras de Alfred Kubin e Francisco de Goya podem ter inspirado Max Ernst.
Alfred KubinDer Krieg (A guerra)1903Reprodução litográfica43,7 x 35,5 cmCollection of the Weisman Art Museum
Alfred Kubin foi descrito em sua época como "o Goya austríaco do século XX".
Em 1898, Kubin foi para Munique estudar arte, porém, logo começou a faltar assiduamente à Academia. Durante uma visita à galeria de arte de Munique, ele conheceu a obra de Max Klinger, o que influenciou seu caminho em direção ao desenho e despertou sua preferência pelo mundo da noite, pelo misterioso e pelo pesadelo.
Isso marcou o início de uma fase de grande atividade em que Alfred Kubin, já familiarizado com os grandes mestres, desenvolveu consistentemente sua técnica. As obras desse período são principalmente desenhos com temas fantásticos, frequentemente macabros, fortemente influenciados por Klinger e Goya.
Em 1903, ele colaborou com uma revista satírica e tornou-se frequentador assíduo de círculos nos quais conheceu importantes artistas e escritores da época, como Klee, Kafka, Marc, Kandinsky, entre outros. No mesmo ano, sua primeira coleção de desenhos foi publicada por Hans von Weber, que se tornou seu patrono. Algumas dessas obras, como "Der Krieg", antecipam a atmosfera de devastação e morte após a Primeira Guerra Mundial, o que faz com que Kubin seja considerado por muitos um visionário.
Francisco de Goya 'O abutre carnívoro' (El buitre carnívoro)Placa 76 Série: Os Desastres da Guerra (Los Desastres de la Guerra)Criado: 1814–15 (publicado em 1863)Gravura, ponta seca, buril, brunidor17,3 × 22 cmThe Metropolitan Museum of Art
Francisco de Goya viveu no final do século XVIII e início do século XIX, durante um período turbulento na história da Espanha, que incluiu a Guerra Peninsular e a ocupação francesa. Esses eventos tiveram um impacto significativo em Goya e em sua produção artística. Goya criou a série de gravuras intitulada "Os Desastres da Guerra", na qual "O abutre carnívoro" faz parte.
Pablo Picasso, por sua vez, viveu durante o século XX, período marcado por duas guerras mundiais e conflitos sociais e políticos intensos. "O corpo do Minotauro vestido de Arlequim" é uma obra criada em 1936, durante a Guerra Civil Espanhola. Goya exerceu uma influência significativa na obra de Picasso, tanto em termos temáticos quanto em técnicas artísticas.
A influência de Goya em 'O Anjo do Lar' de Ernst é mais especulativa do que fundamentada em evidências concretas. As tês obras estão conectadas através de temas comuns, como a questão da guerra e a presença de uma figura misteriosa de um pássaro. Os pássaros são recorrentes nas obras de Max Ernst, sendo uma figura emblemática em seu repertório surrealista.
Pablo PicassoPintado em colaboração com Luis Fernandez após o guache de Picasso"O corpo do Minotauro vestido de Arlequim"1936 (em meio à Guerra Civil Espanhola)Cortina de palco, pintado para a peça de Romain Rolland 'Le 14 Juillet'830 x 1325 cmLes Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse
Em junho de 1936, Picasso concordou em criar a cortina de palco para o uma peça de teatro. Os curtíssimos prazos da encomenda não lhe permitindo executar uma obra original, decidiu então ampliar um pequeno guache que ficou incubido a Luis Fernandez, pintor e amigo de Picasso.
Contudo, Picasso faz um retoque acentuando a firmeza da linha com alguns toques de tinta preta e adiciona reflexos brancos na coroa de flores e no casaco do arlequim.
O minotauro morto nos braços de Teseu (o Hórus Teseu com cabeça de falcão) não tem nenhum vínculo iconográfico ou narrativo com a peça de Romain Rolland. Picasso era obcecado por alusões com referência à mitologia e às touradas.
Pablo Picasso"O corpo do Minotauro vestido de Arlequim"1936Gouache and Tinta nanquim44 x 54 cmMusee Picasso, Paris
Pablo Picasso e Max Ernst eram amigos e apesar da influência mútua possuíam estilos e abordagens artísticas distintas.
Embora Picasso seja mais conhecido por seu trabalho no cubismo, sua exploração e incorporação de elementos surrealistas fica evidenciada na representação de formas distorcidas e fantásticas em suas pinturas.
As primeiras obras de Ernst exibem uma abordagem cubista em sua manipulação das formas e na representação dos objetos. O pássaro é um motivo recorrente na obra de Max Ernst, fundindo elementos humanos e animais. Assim com o nesta obra de Picasso essas representações visuais evocam a ideia de metamorfose e a exploração do inconsciente.
Michelangelo BuonarrotiO Tormento de Santo Antônio1487Tempera em painel47 x 34,9 cmKimbell Art Museum Fort Worth Texas
Marten de Vos A Tentação de Santo Antônio (Detalhe)1591-94Óleo sobre painel280 x 212 cmKoninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antuérpia
Ricky mostra a Jane seu mais belo vídeo: uma sacola plástica dançando ao vento.
"And this bag was just... dancing with me ... like a little kid begging me to play with it. For fifteen minutes. That's the day I realized that there was this entire life behind things, and this incredibly benevolent force that wanted me to know there was no reason to be afraid. Ever. Video is a poor excuse, I know. But it helps me remember ... I need to remember...
Sometimes there's so much beauty in the world ... I feel like I can't take it... and my heart is just going to cave in."
American Beauty (Beleza Americana), 1999Direção: Sam MendesRoteiro: Alan BallGênero: dramaMena Suvari como Angela HayesWes Bentley como Ricky Fitts
Os Parangolés são obras de arte com as quais as pessoas podiam interagir. É um trabalho investigativo em torno de como as cores se relacionam com o espaço. Confeccionadas com camadas de tecidos ou plásticos... elas foram criadas para serem usadas e manipuladas enquanto se dança ao ritmo do Samba.
Segundo as palavras do artista, em “Anotações sobre o ‘Parangolé’”, de novembro de 1964:
“a ideia da ‘capa’, posterior à do estandarte, já consolida mais esse ponto de vista: o espectador ‘veste’ a capa, que se constitui de camadas de panos de cor que se revelam à medida em que este se movimenta correndo ou dançando”. A obra requer aí a participação corporal direta, na qual a ação é a pura manifestação expressiva, uma “transmutação expressivo-corporal do espectador, característica primordial da dança, sua primeira condição.
(OITICICA, H. Catalogue Raisonné, p.1. )
Gavin TurkDump, 2004 Série "American Bag" bronze pintado43 × 47 × 61 cm
Sob efeito de um trompe l'oeuil somos desconstruídos diante da sacralidade de uma obra de arte.
Marc Quinn"Raft Painting (Start)", 2017 Sacos de lixo de plástico não biodegradável e poliestireno não biodegradável em tela sobre madeira.
“Também há uma beleza nas sacolas e uma espécie de elegância nelas. Grande parte da história da arte é sobre a beleza das cortinas e tecidos.”
— Marc Quinn
Cyprien GaillardL’ange du foyer (Vierte Fassung), 2019Holographic LED display, apparatus of stainless steelExhibition “Max Ernst: Life and Work – 70 Years of Creativity”Max-Ernst-Museum, Brühl, GermanyVideo: @SculpTourFavs (Instagram)
Na releitura do famoso "L'ange du foyer" de Max Ernst, Gaillard aborda essa icônica pintura transformando-a em um vídeo projetado em holograma. Nessa releitura, o artista confere movimento à criatura ameaçadora retratada na obra original de Ernst. Ao contemplar essa revisitação, é crucial compreender o contexto no qual Gaillard insere sua intervenção artística. Ao dar vida a essa criatura por meio da tecnologia holográfica, Cyprien Gaillard acrescenta camadas inovadoras à narrativa, incorporando elementos contemporâneos e tecnológicos, proporcionando uma experiência sensorial e reflexiva aos espectadores.
Essa releitura de "L'ange du foyer" torna-se, assim, uma ponte entre o passado e o presente, uma exploração da temporalidade e uma reflexão sobre a evolução das formas de expressão artística. Ao oferecer movimento a uma figura estática do século passado, Gaillard desafia as convenções e convida o público a contemplar a obra por meio de uma nova lente, destacando a contínua relevância da arte na contemporaneidade.